Почему дети в средневековых картинах так некрасивы? Чтобы найти ответ на этот вопрос, корреспондент интернет-издания Vox Фил Эдвардс пообщался с Мэтью Авереттом, профессором истории искусства в Университете Крейгтон и редактором антологии «Ребёнок в искусстве и истории раннего Нового времени
» (The Early Modern Child in Art and History).
«Некрасивые» это ещё мягко сказано. Младенцы на средневековых полотнах похожи на кошмарных крошечных мужичков с высоким уровнем холестерина.
Такие вот дети 1350 года:
Жутковатый младенец 1350 года в композиции «Мадонна из Вевержи» мастера Вышебродского алтаря. .
Или вот ещё один 1333 года:
Написанная в Италии «Мадонна с Младенцем», Паоло Венециано, 1333 год. Mondadori Portfolio / .
Глядя на этих страшненьких человечков, мы задумываемся о том, как удалось перейти от уродливых средневековых образов детей к ангелоподобным младенцам эпохи Возрождения и современности. Ниже два изображения, которые позволяют убедиться, насколько изменились представления о детском лице.
.
Filippino Lippi/ .
Почему же в картинах было так много уродливых младенцев? Чтобы разобраться в причинах, нужно обратиться к истории искусства, средневековой культуре и даже к нашим современным представлениям о детях.
Может, средневековые художники просто плохо рисовали?
Эта картина 15-го века кисти венецианского художника Якопо Беллини, но младенец изображён в средневековом стиле. .
Детей изображали некрасивыми умышленно. Границу между Средневековьем и Ренессансом удобно использовать при рассмотрении перехода от «уродливых» детей к значительно более милым. Сравнение разных эпох, как правило, выявляет разницу в ценностях.
«Когда мы думаем о детях в принципиально ином свете, это отражается в картинах, - говорит Аверетт. - Таков был выбор стиля. Мы могли бы посмотреть на средневековое искусство и сказать, что эти люди выглядят неправильно. Но если задача в том, чтобы картина выглядела как у Пикассо, а вы создаёте реалистичное изображение, то и вам сказали бы, что вы сделали неправильно. Хотя с Ренессансом и наступили художественные инновации, но не в них причина того, что младенцы похорошели ».
Примечание:
Принято считать, что Ренессанс зародился в 14-м веке во Флоренции, а оттуда распространился по Европе. Однако, как и любое интеллектуальное движение, он характеризуется одновременно и слишком широко, и слишком узко: слишком широко в том плане, что создаётся впечатление, будто ренессансные ценности возникли мгновенно и повсеместно, а слишком узко в том, что ограничивает массовое движение одной зоной инноваций. В эпохе Возрождения были пробелы - легко можно было увидеть изображение некрасивого ребёнка в 1521 году, если художник был привержен этому стилю.
Мы можем отследить две причины, по которым в Средние века младенцы в картинах выглядели мужиковато:
- Большинство средневековых младенцев были изображениями Иисуса. Идея гомункулярного Иисуса (что Он появился на свет в подобии взрослого человека, а не ребёнка) повлияла на то, как изображали всех детей.
Средневековые портреты детей, как правило, создавались по заказу церкви. А это значит, что изображали либо Иисуса, либо ещё нескольких библейских младенцев. В Средние века представления об Иисусе сформировались под сильным влиянием гомункула , что буквально означает человечек . «Согласно этой идее, Иисус появился полностью сформировавшимся и не изменялся, - говорит Аверетт. - А если сопоставить это с византийской живописью, получаем стандартное изображение Иисуса. В некоторых картинах, похоже, у него признаки облысения по мужскому типу ».
Картина Барнаба да Модена (работал с 1361 по 1383 годы). Фото: DeAgostini/ .
Гомункулярный (взросло выглядящий) Иисус стал основой для рисования всех детей. Со временем люди просто стали думать, что именно так должны изображать младенцев.
- Средневековых художников меньше интересовал реализм
Такое нереалистичное изображение Иисуса отражает более широкий подход к средневековому искусству: художники в Средние века были меньше заинтересованы в реализме или идеализированных формах, чем их коллеги в эпоху Возрождения.
«Странность, которую мы видим в средневековом искусстве, проистекает из отсутствия интереса к натурализму и большей склонности к экспрессионистским традициям» , - говорит Аверетт.
В свою очередь, это привело к тому, что большинство людей в Средневековье изображали похожими. «Идея художественной свободы в рисовании людей так, как вам хочется, была бы нова. В искусстве соблюдались условности ».
Из-за приверженности этому стилю живописи младенцы выглядели как папы, потерявшие форму, по крайней мере, до эпохи Возрождения.
Как в эпоху Возрождения дети снова стали красивыми
Милое дитя в картине Рафаэля, 1506 год. Фото: Fine Art Images/Heritage Images/ .
Что же изменилось и привело к тому, что дети вновь стали красивыми?
- Нерелигиозное искусство процветало, и люди не хотели, чтобы их дети выглядели как жуткие человечки
«В Средние века мы видим меньше изображений среднего класса и простых людей », - говорит Аверетт.
С Возрождением это начало меняться, поскольку средний класс во Флоренции процветал, люди могли позволить себе портреты своих детей. Популярность портретной живописи росла, и заказчики хотели, чтобы их дети выглядели как симпатичные малыши, а не уродливые гомункулы. Так во многом изменились стандарты в искусстве, а в итоге и в рисовании портретов Иисуса.
- Ренессансный идеализм изменил искусство
«В эпоху Возрождения, - говорит Аверетт, - вспыхнул новый интерес к наблюдению за природой и изображению вещей такими, какими их видели на самом деле ». А не в устоявшихся ранее экспрессионистских традициях. Это отобразилось и в более реалистичных портретах младенцев, и в прекрасных херувимах, вобравших лучшие черты от реальных людей.
- Детей признали невинными созданиями
Аверетт предостерегает от чрезмерного разграничения относительно роли детей в эпоху Возрождения - родители в Средние века любили своих чад не иначе, чем в эпоху Ренессанса. Но трансформировалось само представление о детях и их восприятие: от крошечных взрослых к невинным созданиям.
«Позже у нас появилось представление о том, что дети невинны, - отмечает Аверетт. - Если дети рождаются без греха, они ничего не могут знать ».
По мере того, как изменялось отношение взрослых к детям, то же самое отражалось в портретах малышей, написанных взрослыми. Уродливые дети (или красивые) - это отражение того, что общество думает о своих детях, об искусстве и о своих родительских задачах.
Почему мы по-прежнему хотим, чтобы наши дети выглядели красивыми
Все перечисленные факторы повлияли на то, что дети стали пухлощёкими персонажами, которые нам хорошо знакомы сегодня. И нам, современным зрителям, это легко понять, ведь у нас всё ещё сохранились некоторые постренессансные идеалы о детях.
На наш взгляд, хорошо, что детские изображения изменились. Ведь такое лицо могло бы понравиться только маме:
Икона 1304 года, Битонто. Фото: Mondadori Portfolio/ .
Урок 2. Давно пора
Образ человека - одно из самых противоречивых понятий в истории мировой художественной культуры. На протяжении разных эпох, человек воспринимал себя по-разному. И от этого восприятия менялся и образ его жизни. Сегодня я хочу провести параллель через исторические эпохи и показать, как менялся этот образ.
Эпоха античности.
Эпоха античности считается эпохой просвещенности. Главным в восприятии мира у людей считалась естественность, а человеческое тело служило эталоном в мире искусства. По подобию построения пропорций человеческого тела, люди возводили здания. Бог был человеком, а человек - богом. Богов наделяли людскими страстями и пороками и возводили статуи людям, подобно богам. Человеческое тело было храмом. Скульптор воссоздавал в мраморе каждое движение и каждую складку на одежде. Каждая мышца была на своем месте, создавая впечатление застывшего в камне мгновения, подобно захваченному взглядом горгоны Медузы.
Не только скульптура воспроизводила человеческое тело. Настенные фрески привносили в помещение то, что люди хотели видеть - пейзажи, сцены застолий, танцев, мифологические мотивы, сцены эротического характера. И все было изображено так же - с великой точностью. 
В I-III вв нашей эры, после захвата Египта Александром Македонским, в египетском городе Фаюм изготовлялись погребальные портреты отличавшиеся поразительным сходством с жившим человеком и техникой исполнения напоминавшей картины эпохи Возрождения. Снова люди научатся так писать только через тысячу лет.
Эпоха средневековья.
Эпоха средневековья, по разным подсчетам, длилась от восьмисот до тысячи двухсот лет в разных регионах Европы. Это был период смутного времени, включающий в себя множество вех, как в истории, так и в искусстве. Главным для европейского человека стал Бог. Тело же превратилось в рудимент, оковы для бессмертной человеческой души. Ведь душа бессмертна, а что есть тело? Тело конечно, оно постоянно что-то хочет: ему надо есть, спать, ему нужно тепло, ему нужна ласка. Иисус страдал ради нас на кресте, и мы должны страдать, через укрощение своего тела, чтобы очистить душу. Человек зачинается во грехе, рождается во грехе и всю оставшуюся жизнь старается искупить этот грех, чтобы попасть в Небесное Царство. 
Как и в Египте - культ жизни после жизни, но, в отличие от Египта, у средневекового человека жизнь должна была начаться только после смерти. А, раз тело - настолько бренно и, по сути, ненужно - нет смысла стараться изобразить его красиво. Сначала художники учились, как разучиться рисовать людей, потом, через века - снова пытались научиться. 
Человек был маленьким и ничтожным, но что получило развитие - так это храмовое искусство и архитектура. Смутное время войн сменилось мирным - романский стиль в архитектуре с его толстыми укрепленными стенами и маленькими окошками-бойницами сменился готикой, и она стала первым стилем, объединившим всю Европу. В эпоху готики Церковь больше не являлась оборонительным сооружением, где множество людей находились под защитой Бога (и толстых стен), все больше людей стали посещать храмы, и от архитекторов потребовалось больше внутреннего пространства для вмещения всех прихожан. Это было решено, через распределение веса здания на арочную конструкцию внутри помещения и на аркбутаны и контрфорсы - снаружи. Само название «Готика» пришло от насмешки, что арочная конструкция соборов напоминала по своему виду дома конструируемые племенами готов, связывающих верхушки деревьев для создания куполообразного жилища. Распределение веса здания решило проблему толстых стен и позволило архитекторам проектировать огромные оконные проемы, которые заполнил появившийся в то же время витраж. Обилие декора довершало картину - все, что есть в мире сделано Творцом - значит нет ничего плохого, чтобы использовать это везде. Только представьте: простой человек из деревни приезжает в город в церковь и перед ним встает прекрасное огромное ажурное сооружение. Он входит внутрь и видит лучи переливающегося света от сверкающих оконных проемов, изображающих святых и сцены из Библии. И он понимает, что Бог на самом деле есть. 
Эпоха Возрождения. 
Вслед за Средневековьем приходит эпоха Возрождения, когда люди стали откапывать античные города, находить античные предметы искусства и понимать, что когда-то было по-другому. Послабление власти церкви приводит к тому, что общество становится более светским. Художники заново учатся писать человека, только для этого им приходится его вскрыть, чтобы узнать, где располагаются мышцы и кости, и как из этого правильно написать силуэт. Они продолжают писать на религиозные темы, но, вместе с этим, люди заказывают им свои портреты в виде святых, что показывает, насколько церковь потеряла свою власть в их умах. Художники экспериментируют с техниками, изобретают новые краски, новые стили. Известно, что Леонардо да Винчи был одним из первых, кто стал писать маслом. Его вклад в полотно Верроккьо «Крещение Христа», коленопреклоненный ангел, получился настолько ярким и живым, что Верроккьо, по легенде, ушел из живописи в скульптуру, сказав, что ученик, в свой первый же раз, превзошел учителя, и ему нечему его научить. 
Эпоха Барокко.
Следующая за эпохой Возрождения, но отличная по своему характеру - эпоха Барокко. Люди эпохи Барокко уходят в своем представлении о красоте от античной естественности и стремятся деформировать, модернизировать свои тела, придать им новую, идеальную форму. В моду вошли корсеты, выбеленные лица с нарисованными «мушками», напудренные парики, в которых копошились вши и мыши. К слову сказать, кудлатые мужские парики были введены в моду королем Людовиком XIV. Живя по принципу «держи друзей близко, а врагов еще ближе», он окружил себя министрами и военачальниками, которые со временем превратились в лизоблюдов, стремящихся попасть на глаза правителю и повторяющих за ним изменения в одежде. Когда Людовик начал лысеть, он одел парик. Все, кто его окружал сделали то же самое. 
В эпоху Барокко большой любовью пользовались избыток деталей, резные украшения, позолота, светильники на огромное количество свечей. И оптические иллюзии. Больше всех в плане иллюзий отличилось итальянское Барокко. И непревзойденным мастером считается флорентийский живописец и архитектор, Андреа Поццо. Шедевром Поццо считаются фрески апсиды, потолка и роспись подкупольного пространства римской иезуитской церкви Сан-Иньяцио. При постройке церкви, из-за недостатка средств, не был возведен купол. Монахи решили заменить купол росписью и, чтобы не выбиваться из бюджета и чтобы все было совершено по иезуитским канонам, пригласили для этой работы одного из своих монахов - Андреа Поццо. Поццо начал с росписи небольшого купола в апсиде здания. Монахам настолько понравилась эта работа, что они заказали ему роспись подкупольного пространства над алтарем.
В самой высокой точке - сам святой Иньяцио, основатель иезуитской церкви, и ждущее его Небесное царство. 
Люди стали чаще задаваться вопросом «Что мы есть?». Французский философ Рене Декарт, наблюдая за модными в то время статуями-фонтанами, которые стояли неподвижно и, при приближении к ним человека, оживлялись и обливали его водой, подумал - что если движение живых организмов так же зависит от рычагов, шестеренок и поршней? Он стал искать ответ, подвергая каждое свое суждение опровержению и пришел к тому, что неопровержимой осталась только мысль. Так он и дошел до своей известной впоследствии фразы - «Cogito ergo sum». «Я мыслю - следовательно я существую.»
Эпоха Классицизма.
В эпоху Классицизма деятели искусства снова обращаются к античным традициям, беря их за эталон. В архитектуре появляются элементы античных зданий - портики, колонны - в живописи - античные статуи, персонажи часто одеты на античный манер. Из этого выйдет впоследствии академизм - стиль в искусстве, с которым будут бороться импрессионисты и другие бунтари искусства. 
Две разных части Света.
И, в заключении, я бы хотела поговорить о двух частях света, кардинально отличающихся своими взглядами на то, что такое красота. Это страны Восточной Азии - Япония и Китай - и Соединенные Штаты Америки.
Я буду говорить о Китае и Японии в связке, потому что в их культуре много общего, хоть и с сильным влиянием менталитета своих стран. В Китайской культуре нет, как таковой, ценности человеческой жизни - их всегда было много - один уйдет, на его место придет другой. Как говорят сами китайцы: «Нет ценности человеческой жизни - есть указ императора» - если тебе надо умереть - ты умираешь. Но, с другой стороны, цель каждого отдельного человека в жизни - добиться личностного счастья, и никто не имеет права лишить тебя этого. Так же, в китайской культуре, каждый символ имеет в себе скрытую силу. Даже архитектуру они строят на подобие какого-нибудь иероглифа или знака, чтобы само здание работало на достижение поставленной цели. Для Японии - это слишком сложно. Инь и Ян - единство противоположностей, в белом есть частица черного, в земле есть частица неба - для них это слишком сложно. Они взяли из китайской культуры то, что посчитали достаточным - гармония и естественность.
Три основных понятия прекрасного в японской культуре - это «ю-гэн» - намек - «ваби» - пустота - и «саби» - патина, доказание конечности. Намек - это полупрозрачные сёдзи, свет, проходящий через бумажный фонарь. То, что открыто - не интересно. Интересно то, что таится за размытой формой. В Японии нет такого отношения к наготе, как в Европе - это естественно. А, раз естественно, значит не стыдно. Нагота не возбуждает, если не направлена на это. Гораздо интереснее, когда тело скрыто в слоях одежды, как жемчужина, и ты догадываешься, что же там внутри. То же самое можно сказать и о японских кондитерских изделиях, которые отличаются очень тонким, легким вкусом. Естественной сладостью бобовой пасты, агар-агара и добавленных для украшения ягод. Они не добавляют туда сахар, потому что избыточность - не интересна.
В Европе пустота - это нечто страшное, непонятное, пустота - это ничто. В Японии - пустота - это то, из чего все появляется. Они не рисуют малиновку над пионом - они рисуют пустоту, чтобы оттенить сами фигуры. Басе, обозначая тишину не писал "так тихо", он писал "слышно тиканье часов". Как тишина подчеркивается через тихий звук, так и здесь - художник впускает пустоту на полотно через помещение туда персонажей.
Без смерти нельзя понять жизнь. Смерть - часть жизни, поэтому через нее узнаешь красоту жизни. Японцы называют европейцев однобокими, за то, что те отрицают смерть и живут чтобы жить и радоваться. Но забывая, что жизнь конечна, невозможно в полной мере насладиться ее полнотой. Без добра нет зла, без лишений не поймешь всю прелесть от приобретения. Так же и с вещью. Если она пожила свое, если она покрыта трещинками, потерта - видна ее хрупкость - от этого она становится еще прекрасней - в ней есть душа. Даже у новых печатей специально скалывают кусочек, чтобы показать их конечность, естественность - а значит красоту. Во времена античности не допускали никаких сколов и трещин - предмет конечен, а значит не идеален. В Японии наоборот - поскольку у всего есть смерть - это ценится еще больше. Цветение сакуры - воплощение этого. Потому что лепестки опадают с деревьев за очень короткий срок, и нужно насладиться каждым мгновением, что ты это видишь. 
США прививают миру, через фильмы свою культуру. Культуру недостижимого идеала - культуру преобразования, жизни в мечтах. Еще Джордж Буш старший говорил в своем выступлении, что "святая миссия, возложенная на Америку - заставить всех остальных думать так же, как и мы". Именно из Америки пришла мода на пластические операции - достижение своего несуществующего идеала. В идеальном мире никогда не умирает главный герой. В идеальном мире всегда счастливый финал. Не обязательно четко следовать каким-то правилам, поэтому вы не найдете достоверных «исторических» недокументальных фильмов. Это не их история - не они ходят каждый день на работу через Парфенон - нарядили людей в тоги, поставили колонны - уже Греция. И не важно, как будут взаимодействовать люди. Поэтому каждый подобный фильм показывает нам современных американцев в разных декорациях. Главное, чтобы было зрелищно. Так же и в стилях. Америка - страна своих стилей и форм. Здесь нет художественных стилей, понятных нам - барокко, классицизма, ар ново - там есть дворцовый стиль, в котором содержится все, что человек считает роскошью: колонны, золотой унитаз, кровать с балдахином. Морской стиль, тропический, индустриальный - и многое-многое другое.
Так же следует заметить, что американцы - люди, которые не любят, когда их считают глупыми, поэтому им не нравятся сложные формы и метафоры, которых они не могут понять. Сюда же входят и слишком простые сравнения - по той же причине. Основная масса людей прибывает в "золотой середине" между этими полюсами - в красиво поданном пространстве, завуалированном ровно настолько, чтобы человеку казалось, что он сам обо всем догадался. И есть люди, которые придумывают и создают эту середину для простых граждан.
Американская культура отличается отсутствием фольклора. У переселенцев не появилось своих мифов, не зародилось новых богов - они были слишком «взрослыми» для этого. Поэтому американцы создали своих джиннов и лепреконов. У них появились супергерои. Америка - единственная страна, у которой есть супергерои. Ведь что такое супергерой? Идеальный человек, создающий идеальный мир. 
*материал собран из различных источников
Искусство эпохи Средневековья – несколько странное и порой весьма неоднозначное. Им принято восхищаться, но при этом даже искусствоведы порой стыдливо умалчивают о том, что происходило в то время. О реалистичности изображений речь не шла, а многие из художников были просто скучающими монахами, которые рисовали на полях книг, чтобы как-то скоротать время. Что и говорить, этот период радикально отличается от всего того, что происходило в искусстве позже.
1. Кролики-убийцы
Средневековые монахи создавали «иллюминированные рукописи» - книги, в которых каждая страница была заполнена красочными произведениями искусства (миниатюрами и орнаментами). Иногда они заполняли страницу красивыми изображениями цветов и плюща. Бывало монахи рисовали иллюстрации к самой книге, а иногда они зачем-то рисовали кроликов, бьющих людей по голове. Кролики, истязающие людей, - это на удивление распространенная тема в средневековом искусстве. Современные историки искусства пока не нашли ответ на этот вопрос.
Есть изображения кроликов, рвущихся в бой, увечащих рыцарей, ворующих женщин, избивающих людей дубинками и рубящих их топорами - причем подобные рисунки никогда не имеют никакого отношения к тому, о чем идет речь в книгах. Основная теория гласит, что такие рисунки делали на полях скучающие монахи, которым просто хотелось развлечься. Они считали, что идея о кроликах, мстящих людям, которые охотились на них, была забавной. Но это всего лишь теория.
2. Кошки, вылизывающие пятую точку
Изображения котиков стали популярны намного раньше, чем появился Интернет. Средневековые художники рисовали их довольно часто. Единственным исключением было то, что они не концентрировались том, чтобы картинка вызывала положительные эмоции и приступы милоты.
Средневековые художники почему-то считали, что есть только один момент, достойный быть увековеченным в произведении искусства: момент, когда кошка изгибается и вылизывает собственный анус. После средневековой эпохи осталась странно обширная коллекция мурлык, вылизывающих свой зад или тестикулы. Иногда эти изображения весьма реалистичными, но чаще всего кошку изображали согнутой в полный круг, с языком в районе пятой точки.
3. Женщины верхом на Аристотеле
Греческий философ Аристотель попадал на картины весьма часто. Но в течение короткого периода в начале эпохи Возрождения, его почему-то начали изображать в одной и той же странной и специфической позе. В течение нескольких лет художники рисовали на картинах одного из самых уважаемых философов, стоящего на четвереньках, с женщиной, сидящей на нём верхом.
Иногда у Аристотеля была уздечка во рту. В других случаях женщина била его. А иногда это была бы откровенная картина обнаженной женщины, шлепающей отца научной мысли. Источником подобных картин была популярная история о жене Александра Великого, которая обманом заставила Аристотеля прокатить ее на себе, как на пони.
Мораль истории заключалась в том, что женщины являются злыми соблазнительницами, и все должны воздерживаться от плотских потребностей. Так средневековые художники демонстрировали миру, что они «выше похоти».
4. Рыцари, сражающиеся с улитками
Одной из самых странных вещей, которую монахи любили изображать на полях книг, являются эпические битвы между рыцарями и улитками. Между XIII и XIV веками по непонятным причинам это стало весьма популярной темой.
«Их можно встретить повсюду на полях готических манускриптов, - сказал один ученый. - Они буквально везде и никто не знает, почему». Некоторые считают, что это аллегория социальной борьбы, дискриминации или отчаянной борьбы человека против неизбежной смерти, другие же списывают все на скуку монахов.
5. Моисей с рогами
В течение длительного времени у людей была странная привычка рисовать изображения Моисея с рогами на голове. Это весьма странно - изображать столь демонически выглядящую деталь на человеке, который вывел евреев из Египта. И все же, подобных примеров много (даже Микеланджело рисовал подобное).
Есть мнение, что средневековые художники и не думали потешаться над Моисеем. Они действительно считали, что у того были рога. В большинстве переводов Библии говорится, что, когда Моисей спустился с горы Синай с Десятью Заповедями, его лицо было «озарено лучами света». Но оригинальное еврейское слово «keren» может означать либо «луч света», либо «рог».
Таким образом, в Библии на самом деле могло утверждаться, что у Моисея были рога. В средневековую эпоху была даже напечатана копия Библии, в которой говорилось, что Моисей спустился с горы с рогами на голове. Это звучит безумно, но некоторые люди и до сих пор думают, что именно это правильный перевод.
6. Мария Магдалина, покрытая волосами
Когда готические художники рисовали Марию Магдалину, они делали ее похожей на «экспонат» из цирка Барнума. Они рисовали женщину, которая ниже шеи была полностью покрыта густым волосяным покровом. Причем, это не был какой-то странный средневековый фетиш, а именно так, по их мнению людей в то время, должна была выглядеть святая. В то время история Марии Магдалины закончилась тем, что она заросла шерстистыми волосами, что сделало ее похожей на козу.
Согласно легенде, Мария Магдалина полностью отказалась от всех земных благ после смерти Иисуса. Она перестала купаться и менять одежду, и, в конце концов, ее одежда полностью износилась и порвалась. Чудом, которое спасло Марию от блуждания по миру голой, стали волосы, выросшие по всему телу. После этого в течение всей оставшейся жизни Мария ходила голой и волосатой.
7. Убийство беззаботных людей
Большая часть средневекового искусства была жестокой. Но, насколько бы ужасной не была чья-то смерть, жертве всегда было скучно. Есть картины людей, которых топчут всадники, которым вонзили нож в череп или которых изрубили топорами. Тем не менее, на каждой картине жертва выглядит так, будто она изо всех сил пытается сдержать зевок. Теория гласит, что все это связано со средневековой концепцией Ars moriendi - искусством умереть хорошо. Смерть, по мнению людей в то время, была моральным испытанием.
Это было время, когда человек должен был предстать перед божественным судом, и то, как он реагировал на это, говорило о его характере. Если человек во время смерти плакал, кричал и ругался, это означало, что он, вероятно, попадет в ад. А если последний вздох был встречен с улыбкой, то человек попадал на небеса. Все эти скучающие мертвые люди могли просто демонстрировать свою стоическую готовность отправиться на Небеса. Либо средневековые художники просто плохо умели рисовать мимику.
8. Люди, в «космических кораблях»
По какой-то причине многие примеры средневекового искусства показывают, что люди летают на маленьких машинах, которые выглядят странно похожими на «Спутник-1». Подобное обычно встречается на всех картинах Иисуса. Средневековые картины показывают важные моменты в жизни Христа, такие, как тот момент, когда его мать Мария взяла младенца первый раз на руки, или тот момент, когда он умер на кресте.
В углу картины в небе неизменно изображен маленький человек в «кабине маленькой белой ракеты», улетающий в космос. Есть несколько теорий относительно того, что обозначают эти изображения. Наиболее академическая теория заключается в том, что изображения призваны символизировать «чуждое присутствие Бога». Это всего лишь теория, а единственное объяснение, источником которого является сам средневековый художник, звучит полностью фантастически.
На гравюре Ганса Глейзера изображено небо над городом, заполненное трубами и сферами. Глейзер подписал гравюру, заявив, что это картина того, что он видел происходящим в небе над Нюрнбергом: битву между неизвестными летающими объектами. Сохранились записи о том, что битва закончилась тем, что сферы и несколько «стержней» улетели в солнце, а несколько других объектов рухнули на землю в облаке дыма.
9. Демоны с лицами на промежности
Средневековые художники любили рисовать демонов. Их искусство было переполнено ужасающими монстрами, которые собирались забрать души невинных. И по каким-то причинам у многих из демонов были два глаза, нос и большой рот прямо на их промежности. Эти картины были странно сексуальными.
Часто лицо промежности у демона извергало какой-то странный фаллический огонь прямо между ног. Иногда эти лица не просто прикрывали промежность, а находились на кончиках их гениталий. Это был способ показать зло беспричинного сексуального соблазна. Демоны должны были символизировать опасности похоти, и лица на промежности были способом показать, где спряталось истинное лицо зла.
Некоторые люди были так обеспокоены опасностью похоти, что демоны были самым популярным предметом искусства в эпоху средневековья. По-видимому, другие люди были менее обеспокоены, потому что второй по популярности темой были люди, занимающиеся плотскими утехами.
10. Вещи, торчащие из зада
Похоже, что когда средневековые художники не рисовали животных-убийц и демонов с лицами на промежности, они заполняли свои книги иллюстрациями, которые очень странно выглядели рядом со словом Божьим: изображениями людей с различными вещами, торчащими из их анусов.
Обычно это была трубы, однако существуют и другие примеры. Некоторые страницы были украшены красивыми узорами из цветов и листьев, которые вылезали из человека, наклонившегося вниз задом к читателю. Также довольно часто встречались изображения того, как люди пускали стрелы в круглые красные цели, нарисованные на ягодицах друг друга. Почему рисовали подобное - загадка.
Тема искусства средних веков и сегодня интересна многим. Ведь не зря в сети появился шуточный проект . Ранее мы публиковали 15 картин с современными саркастическими подписями, которые в него вошли.
Обычно, когда произносят словосочетание «Средние века», перед глазами встают мрачные готические замки, все темное , запущенное, унылое... Это стереотип, который почему-то выработался в сознании людей. Живопись данного периода доказывает обратное - она не только не уныла, но и очень колоритна.
Искусство Средневековья: особенности и тенденции
Средневековье представляет собой период с пятого по семнадцатый век . Сам термин возник в Италии; считалось, что время это являлось культурным упадком, Средние века постоянно сравнивали с Античностью - и сравнение было не в пользу первых.
Особенностей искусства Средневековья несколько, и все они тесно связаны с господствовавшими в то время в обществе устоями и традициями. Так, сильны были церковь и религиозные догмы - именно поэтому религия стала чем-то обыденным для тогдашней культуры. Помимо этого, характерными чертами ее являлись аскетизм, отказ от античных традиций и при этом приверженность к старине, внимание к внутреннему миру человека и его духовности.
Эпоху принято подразделять на несколько периодов: раннее Средневековье (до одиннадцатого века), развитое (до пятнадцатого) и позднее (до семнадцатого века). Каждый из этих промежутков, опять же, имеет свои тенденции. Как пример - раннее Средневековье отличалось полным отказом от античных традиций, скульптура канула в небытие, процветало деревянное зодчество и так называемый звериный стиль. Человека, как правило, не изображали, а искусство было «варварским». Особое внимание уделялось цвету.
Развитое Средневековье, напротив, концентрировалось на прикладном искусстве - в моде были ковры, литье, книжные миниатюры.
В эпоху позднего Средневековья стали господствовать романский и готический стили, в частности, преобладали они в архитектуре, которая и являлась основным видом искусства в данный период.
Вообще же, общепринятой считается следующая периодизация искусства Средневековья: кельтское, раннехристианское, искусство периода переселения народов, византийское, дороманское , романское искусство и готическое. Далее более подробно остановимся на жанрах, стилях, приемах и сюжетах средневековой живописи. Вспомним и знаменитых мастеров.
Живопись эпохи Средневековья
В разные периоды Средневековья на первый план выступали разные виды искусства - то скульптура, то архитектура. Нельзя сказать при этом, что живопись оставалась в стороне. С течением времени и под влиянием изменений в обществе менялась и она, вследствие чего картины становились более реалистичными, а у художников появлялись новые приемы , темы и перспективы для творчества. Так, например , несмотря на то что тенденция к написанию полотен религиозной тематики оставалась популярной в средневековой живописи любого периода (впрочем, после тринадцатого века она начала встречаться гораздо реже), с повышением образованности стали более распространенными так называемые светские картины - бытового содержания, отражающие простую жизнь обычных людей (в том числе знати, разумеется). Так возникла реалистичная живопись, нехарактерная для эпохи раннего Средневековья . На картинах стали изображать не духовный, а материальный мир.
Распространились книжные миниатюры - таким образом пытались усовершенствовать и украсить книги, делая их более привлекательными для потенциальных покупателей. Появилась и настенная живопись, а также мозаика, которыми украшали внешние и внутренние стены церквей - это за это следовало благодарить орден францисканцев, для которого строилось большое количество подобных сооружений. Все это произошло уже после тринадцатого века - прежде живописи не уделялось столь пристального внимания, она играла скорее второстепенную роль, не считалась чем-то важным. Картины не писали - их «малевали», а это слово полностью отражает отношение к данному виду искусства в тот временной промежуток.
С расцветом живописи Средневековья пришло понимание того, что написание художественных полотен - это удел тех, кто по-настоящему умеет и любит данное ремесло. Картины перестали «малевать», более к их созданию не относились как к увеселительному времяпрепровождению, доступному каждому. Как правило, каждая картина имела своего заказчика, и заказы эти совершались исключительно с какой-то целью - полотна покупали для знатных домов, для церквей и так далее. Характерно, что многие художники Средневековья не подписывали свои работы - это было для них обычным ремеслом, таким же, как производство булочек для пекаря. Зато живописцы того периода старались придерживаться негласных правил: эмоционально воздействовать на того, кто будет смотреть на полотно; игнорировать реальные размеры - для придания большего эффекта; изображать разные временные промежутки с одним и тем же героем на картине.
Иконопись
Фламандцы
Пятнадцатый век принес славу Фландрии - именно в этой области появился новый уникальный прием , оказавший огромное воздействие на все искусство и в один момент ставший популярным. Речь идет об изобретении масляных красок. Благодаря добавлению растительного масла в смесь красящих веществ цвета становились более насыщенными, а сами краски сохли значительно быстрее, чем темпера, которой живописцы пользовались до этого. Попробовав наносить слой за слоем, мастера убедились в открывшихся перед ними возможностях и перспективах - цвета играли совершенно по-новому, а эффекты, которые получались таким образом, абсолютно затмевали все прежние достижения.
Доподлинно неизвестно, кто именно является изобретателем масляных красок. Зачастую их возникновение приписывают, пожалуй, самому знаменитому мастеру фламандской школы - Яну ван Эйку. Хотя еще до него достаточной популярностью пользовался Робер Кампен , который, собственно, и считается основоположником фламандской живописи. Тем не менее именно благодаря ван Эйку масляные краски получили столь глобальное распространение по всей Европе.
Выдающиеся художники
Живопись Средневековья подарила миру множество замечательных имен . Уже упомянут выше Ян ван Эйк - прекрасный портретист, чьи работы отличаются от прочих интересной игрой света и тени. Характерной особенностью его полотен являются тщательно прописанные самые мелкие детали. Еще один фламандец, Рогир ван дер Вейден , не был так внимателен к мелочам, однако он выписывал очень четкие контуры и акцентировал внимание на красочных, ярких оттенках.
Среди итальянских мастеров, помимо указанных выше, стоит отметить Дуччо и Чимабуэ , основоположников реализма, и Джованни Беллини. Также большой след в искусстве оставили испанец Эль Греко , нидерландец Иероним Босх , немец Альбрехт Дюрер и другие.
- Слово «миниатюра» происходит от minium - так называется по-латински сурик, которым в Средние века писали заглавные буквы в текстах.
- Натурщиком для картины «Тайная вечеря» Леонардо да Винчи стал обычный пьянчужка.
- В каждом новом столетии на натюрмортах количество еды увеличивалось.
- Картина Тициана «Любовь земная и Любовь небесная», прежде чем получить такое название, сменила их четыре раза.
- Художник Джузеппе Арчимбольдо составлял свои полотна из овощей, фруктов, цветов и так далее. До нас дошли очень немногие из его работ.
Живопись Средневековья, как и вся культура этого периода, представляет собой уникальный пласт, который можно исследовать веками. Кроме того, это поистине шедевральное наследие, сберечь которое для потомков - наша прямая обязанность.
