Masaccio- mare artist italian al secolului al XV-lea. Numele complet al artistului: Tommaso di ser Giovanni di Guidi. Născut la 21 decembrie 1401 în San Giovanni Valdarno, Toscana. Cunoscut ca unul dintre cei mai buni artiști ai timpului său, un maestru al școlii florentine de pictură.
Masaccio este un mare artist al Renașterii timpurii. A lucrat chiar în zorii zilei de glorie a picturii și a adus o contribuție semnificativă la dezvoltarea legilor și principiilor de bază ale picturii. Profesorii lui Masaccio au fost Filippo Brunelleschi (1337-1446) și (1386-1466). Masaccio a devenit celebru tocmai pentru pictura sa religioasă. Cercetătorii moderni cred că prima lucrare a lui Masaccio a fost Tripticul Sfântului Juvenal, care astăzi este păstrat în biserica San Pietro a Cascia di Reggello. Dintre masa de picturi religioase, fresce și picturi, sunt cunoscute și trei uzuri ale lui Masaccio. În toate cele trei portrete, Masaccio a înfățișat tinerii de profil.
Artistul italian Masaccio a lucrat adesea împreună cu un alt artist Masolino. Cercetătorii cred că Masaccio a influențat opera lui Masolino, dar totuși Masolino a avut mai mult succes, deoarece a scris lucrări care erau mai ușor de înțeles pentru publicul în masă. Există un tablou cunoscut pe care Masaccio și Masolino l-au pictat împreună - „Madona și Pruncul și Sf. Anna.”
Cele mai cunoscute picturi ale pictorului italian Masaccio din secolul al XV-lea au fost lucrări precum: fresce pentru Capela Brancacci, „Expulzarea din Paradis”, „Minunea cu Satirul”, „Botezul neofiților”, „Sfântul Petru vindecă bolnavii cu ai lui Shadow”, „Distribuirea proprietății și a morții Anania”, „Madona și Pruncul”, „Sf. Ieronim și Ioan Botezătorul” și mulți alții. Marele artist al școlii florentine a murit la Roma în toamna anului 1428.
tablouri Masaccio
Învierea fiului lui Teofil și a Sf. Petru la amvon
Expulzarea din Paradis
Istoria Sf. Juliana
Executarea lui Ioan Botezătorul
Botezul neofiților
Madona cu Pruncul și Sf. Anna
Madona cu Pruncul
Petru vindecă un bolnav cu umbra lui
Adorarea Magilor
Portretul unui tânăr
Putto cu un câine mic
Împărțirea proprietății și moartea lui Anania
7. De la cer pe pământ: Masaccio și Masolino
Capitala Renașterii
Secolul XV, Quattrocento, anii 400. Această perioadă, de fapt, este de obicei numită Renaștere. Tot ce s-a întâmplat înainte a fost, parcă, o pre-Renaștere. Am vorbit despre originea acestui termen și, desigur, poate fi controversat, dar este clar că tot ceea ce s-a făcut înainte de anii 400 a fost într-adevăr acumularea unor elemente noi separate care au împușcat și au explodat pur și simplu și au dat ceea ce - o efect nou în perioada Quattrocento, în secolul al XV-lea.
În acest moment, Florența a devenit centrul unei noi culturi. Concurase anterior cu alte orașe: Siena, Pisa, Milano, Napoli, Padova, Assisi, Lucca. În toate aceste orașe au avut loc procese foarte interesante de căutare a ceva nou, dar Florența era destinată să devină capitala Renașterii. A fost capitala Toscanei, acum devine capitala Renașterii. Iese pe primul loc printre orașele italiene. Au fost diverse motive pentru aceasta.
Florența a apărut în anul 59 î.Hr. e. ca o aşezare a veteranilor romani, numită Florentia, adică „înflorită”. În secolul al IV-lea deja d.Hr. e. orașul era reședința unui episcop, adică un astfel de oraș destul de mare din Italia. Apoi au venit aici ostrogoții, apoi bizantinii, lombarzii și francii. Din cauza războaielor și devastărilor, populația a fost mult redusă, dar până în secolul al X-lea orașul s-a umplut din nou de oameni, crescând din nou, iar în 1116 Florența a devenit comună independentă. Subjugă cea mai mare parte din nordul Italiei, nordul și centrul Toscanei și acumulează treptat diverse forțe în jurul său.
Mai mult, în secolul al XIII-lea orașul a fost atras în celebra luptă, am vorbit despre ea, între guelfi și ghibelini, iar acest lucru, desigur, a slăbit foarte mult orașul, dar cu toate acestea și-a păstrat primatul și chiar a început să bată. propria sa monedă de aur, florinul, care a devenit una dintre cele mai stabile monede din Europa. În secolul al XIV-lea, a avut loc un boom economic datorită faptului că Florența a devenit un centru pentru producția de țesături din lână englezească și un centru pentru cămătărie, care acum este numit mai nobil. bancar, pentru că în Evul Mediu cămăta era considerată un păcat, dar acum devine o virtute. Această schimbare de paradigmă produce un efect foarte interesant, deoarece oamenii care au acumulat, împrumutat și au crescut bani sunt cei care devin acum conducătorii gândurilor. Unii dintre ei sunt, să zicem, Medici. Despre ei vom vorbi mult mai mult, pentru că sunt Medicii din Florența cei care primesc palma.
Iar primul dintre ei, Cosimo Medici, Cosimo cel Bătrân, aici îl vedem, portret care a fost pictat mult mai târziu de Jacopo Pontormo. Este, desigur, silueta care face o întorsătură atât de specială. Și înainte de asta, desigur, au existat patroni ai artelor, patroni, clienți, dar Medicii au devenit un fel de comercianți culturali. Ei au condus arta. Au dat doar bani. Au întrebat și despre latura ideologică, dar despre asta vom vorbi mai târziu. Aceasta este o familie foarte importantă. Dar este interesant că figura despre care vom vorbi astăzi, artistul Masaccio, el și Masolino (vom vorbi în principal despre două figuri astăzi), au lucrat tocmai pentru concurenții Medici. Și această luptă competitivă între diferite clanuri a influențat foarte mult arta.
Lucrările timpurii ale lui Masaccio
Deci, eroul poveștii noastre de astăzi este Tommaso Masaccio. Este simbolic faptul că s-a născut în 1401, adică în primul an al noului secol, tocmai epoca Quattrocento-ului, a Renașterii, și este considerat pe bună dreptate prima figură a Quattrocento-ului. Vasari, biograful tuturor artiștilor Renașterii, îl numește așa și vom vedea singuri că și pe fundalul multor artiști care au lucrat în acest moment, Masaccio iese foarte mult în evidență.
Opera sa începe în secolul al XV-lea. Masaccio este o poreclă. Se traduc diferit. Unii îl traduc prin „neîndemânatic”, „neîncetat”, „muf”. Legenda spune că era atât de pasionat de artă încât se plimba tot timpul acoperit de vopsea. Și asta, se pare, i-a dat porecla lui. Numele său real este Tommaso di Giovanni di Simone Cassai sau Tommaso Di ser Giovanni di Guidi.
S-a născut în San Giovanni Valdarno, lângă Arezzo, în 1401, în ziua Sfântului Toma, așa că a fost numit după acest sfânt Tommaso. Tommaso, adică în italiană acesta este Thomas. Când avea cinci ani, și-a pierdut tatăl. Mama s-a recăsătorit cu farmacistul, dar acesta era în vârstă și a murit din nou. În general, o copilărie dificilă. Iar la vârsta de 16 ani devine singurul susținător al familiei sale. Se pare că această maturizare timpurie a modelat foarte mult personalitatea lui Tommaso Masaccio.
Undeva pe la 16 ani, în 1418, poate avea deja 17 ani, Masaccio și familia sa s-au mutat la Florența. S-au păstrat documente conform cărora mama lui Masaccio, de când era încă minor, totul era înregistrat pe numele ei, închiriază o casă în zona San Niccolo din Florența. Probabil că undeva în această zonă se afla și atelierul în care a lucrat ulterior artistul.
Vasari îi numește profesori pe Masaccio Masolino da Panicale și Mariotto di Cristofano, dar acum această opinie este considerată eronată, deoarece, judecând după documente, Masaccio a primit titlul de maestru al picturii cu un an mai devreme decât Masolino, adică este puțin probabil să fie a fost student. Cel mai probabil au lucrat împreună. În unele monumente vom vedea asta, manierele lor sunt foarte apropiate și s-au influențat foarte mult reciproc.
Dar, în ciuda faptului că Masolino era mult mai în vârstă decât Masaccio, cel mai probabil, Masaccio a fost liderul acestui duo. Aici îi vedem autoportretul în Capela Brancacci, despre care vom vorbi mai târziu. În 1422, Masaccio s-a alăturat breslei medicilor și farmaciștilor, iar în 1424, în semn de recunoaștere ca un maestru atât de matur, a fost acceptat în asociația breslei de artiști a Frăției Sf. Luca. Adică avea doar 23 de ani când a fost recunoscut ca un maestru foarte matur. Și vom vedea că Masaccio cu adevărat precoce face lucruri uimitoare. De fapt, a reușit să trăiască foarte puțini ani. A trăit doar 27 de ani. Apropo, tatăl lui a trăit aceeași perioadă de timp. Se pare că a fost un fel de chestie ereditară, deși când a murit au existat zvonuri că ar fi fost otrăvit de concurenți, dar cine știe.
Cercetătorii de astăzi sunt de acord că, cel mai probabil, Masaccio a studiat cu celebrul maestru florentin de atunci Bicci di Lorenzo. Vasari vorbește foarte bine despre el. Bicci di Lorenzo aparținea faimosului la acea vreme, poate mai puțin faimos astăzi, familie de artiști florentini, un mare atelier din care au apărut cel puțin trei pictori: Lorenzo di Bicci, Bicci di Lorenzo, acesta este profesorul și fiul său Lorenzo di Bicci, iar Neri di Bicci, fiul celui de-al doilea, adică trei generații de pictori proveneau din aceeași familie. Era familie faimoasă. Aici putem vedea un triptic atât de mic, un mic altar. El este destul de tradițional pentru această perioadă și este, în general, asemănător cu mulți artiști care au lucrat în această perioadă.
Dar aici ne vom uita la una dintre primele lucrări ale lui Masaccio însuși, tripticul Giovenale. Aceasta este considerată prima operă autentică a lui Masaccio. A fost descoperit destul de târziu, în 1961, adică în secolul XX, de omul de știință italian Luciano Berti, în bisericuța Sf. Juvenal nu departe de orașul în care s-a născut Masaccio. În centrul altarului se află o Madona cu Pruncul cu doi îngeri.
Îngerii, după cum vedem, au spatele la noi, ceea ce, ca să spunem așa, practic nu era făcut de artiști înainte. Chiar și Giotto desfășoară îngerii, ca și în precedentul am văzut și un triptic, maxim de profil sau trei sferturi, dar aici Masaccio încearcă să arate spațiul tridimensional, nu încă prin perspectivă, nu prin spațiu, ci prin viraje. a personajelor. Dar am vorbit deja despre această problemă atât cu Giotto, cât și cu alții, că nu este clar unde să punem aureola. Și această problemă nerezolvată există și aici, când îngerii sunt literalmente blocați în halourile lor ca în farfurii.
Apoi acest lucru va fi rezolvat într-un mod complet diferit de către artiștii de mai târziu, când aureola apare deja, ca un fel de nor sau ca un fel de cerc, deja desfășurat pe trei sferturi, deasupra capetelor lor. Între timp, acest stil bizantin al unui astfel de cerc de aur, strălucirea deasupra capului lor este încă o problemă de nerezolvat pentru artiști. Dar, în comparație cu alți artiști, putem deja să vedem că aici, pe de o parte, există o oarecare simplificare a acestor decorațiuni gotice și dând figurilor mai multă naturalețe. Aceasta este o lucrare timpurie, așa că aici el încă vorbește jumătate în propria sa limbă, jumătate în limba tradițională epocii anterioare.
Una dintre cele mai cunoscute și mai des reproduse lucrări legate de Masaccio este Madona cu Pruncul cu Sfânta Ana. Dar tocmai această lucrare se crede că a fost făcută de doi artiști, Masaccio și Masolino. După cum am menționat deja pe Masolino di Panicale, vă voi spune mai multe despre el mai târziu. Vasari îl numește profesor, dar în realitate doar au lucrat împreună.
Și această lucrare, acest retablo mare, au pictat împreună în 1422 pentru biserica San Ambrogio. O astfel de putere a formei, o astfel de soluție generalizată, provine cel mai probabil de la Masaccio. Cercetătorii spun în moduri diferite cine a scris ce aici. Este posibil ca Masolino să fi pictat figura Sfintei Ana, în timp ce Masaccio a pictat-o pe Fecioara și Pruncul Isus. Pot fi. Nu este important cum a fost distribuită această lucrare, dar important este că este deja diferită față de perioada anterioară.
Ce este diferit aici? Celălalt aici este, pe de o parte, această formă monumentală. Pe de altă parte, chiar și decorul complotului în sine este de așa natură încât familia umană a Mântuitorului este subliniată aici: Sfânta Ana stând în spatele figurii Maicii Domnului, Maria șezând pe tron și o ține în mâini. un copil atât de plinuț, deja foarte aproape de imaginea reală a unui copil, în care există mai mult uman decât divin. La urma urmei, italiană timpurie, și chiar bizantine, nu vorbesc despre asta, bebelușii sunt întotdeauna adulți aproape redusi, cel puțin foarte des.
Măturarea cădelniței unuia dintre îngeri evidențiază faptul că există câteva momente spațiale aici, dar totuși nu există încă nicio cucerire a spațiului aici. Îl vom vedea mai târziu. Deci aceasta este o lucrare de hotar, dar foarte importantă, importantă pentru că începe cu adevărat o abordare complet nouă a artei.
Picturi ale Capelei Brancacci
Cel mai semnificativ lucru care l-a făcut pe Masaccio foarte faimos și l-a ridicat la înălțimea unui fel de măiestrie autentică a fost pictura bisericii Santa Maria del Carmine din Florența, sau mai degrabă, capela de la această biserică, care a fost numită Brancacci. Capelă. În 1367, influentul și bogatul florentin Pietro di Puvicese Brancacci a ordonat construirea unei capele de familie în biserica Santa Maria del Carmine, adică cu mult înainte de viața lui Masaccio.
Cu toate acestea, capela a devenit mai mult decât o capelă de familie. A devenit o importantă culturală, socială și viata religioasa Florența, pentru că au pus în ea o icoană miraculoasă, adică o icoană care era venerată ca miraculoasă, care a fost numită „Madona del Popolo”. A fost scrisă în secolul al XIII-lea. Oamenii veneau mereu la această icoană, așa că era mai mult decât o capelă de familie.
Iar urmașul acestui Pietro Brancacci, Felice Brancacci, care la sfârșitul secolului al XIV-lea a devenit incredibil de bogat, a fost unul dintre rivalii lui Cosimo Medici cel Bătrân, a fost un negustor de mătase, un senator influent, în general, un om care a făcut parte din administrația Republicii Florența, el comandă doar picturile pentru această capelă. Mai întâi, în 1424, îl invită pe Masolino, Masolino da Panicale, iar Masolino îl invită deja pe Masaccio să ajute. Și după plecare, oarecare plecare urgentă a lui Masolino, Masaccio lucrează aici singur, adică Masolino face mai multe compoziții, iar cea mai mare parte a acestei capele este pictată de Masaccio.
Și această capelă devine o astfel de declarație de artă nouă. Ce rost are aici? De fapt, cercetătorii spun deja astăzi că nici Masolino, nici alți artiști nu l-au influențat pe Masaccio la fel de mult ca cunoașterea lui cu Brunelleschi și alți maeștri, și anume arhitecți și sculptori care dezvoltau perspectiva la acea vreme, și a devenit, de asemenea, interesat de perspectivă. El a început brusc să extindă spațiul în lucrările sale, dar mult mai intens decât a făcut Giotto. Giotto s-a limitat încă la o astfel de cutie, la o anumită perspectivă teatrală, iar Masaccio a început să taie arcuri ca aceasta, de exemplu, în aceste cutii. Și într-adevăr, aici vedem lucrurile noi pe care Masaccio le-a adus în artă. În multe privințe, el a fost într-adevăr primul, pentru că nu a făcut doar perspectiva, ci și-a construit compoziția conform legilor perspectivei.
De multe ori nici măcar scenele cu Petru nu sunt reproduse din această capelă, deși vom vedea una, poate și cea mai faimoasă, dar „Expulzarea din Paradis” este adesea reprodusă, pentru că aici vedem, în primul rând, proaspăt figurile nud scrise. Asta nu înseamnă că nu existau nuduri înainte. Au fost, dar au fost scrise cu totul altfel. Au fost scrise, ca să nu spun fără trup, ci caste și oarecum desprinse de trupul însuși.
Aici acest corp este absolut simțit. Mișcările lui Adam și Eva expulzați care părăsesc paradisul sunt naturale. Giotto va spune, de asemenea, că sfinții lui Masaccio sunt în sfârșit pe pământ. Dacă în altele aproape că pluteau deasupra solului sau abia îl atingeau, atunci aici pur și simplu calcă greu, ca să spunem așa, pe acest teren. Vedem asta tocmai în această „Expulzare din Paradis”. Și, desigur, vedem o reacție psihologică atât de autentică: plâns, groază, disperare a lui Adam și Eva, care sunt expulzați. Ele nu dispar pur și simplu la fel de senine ca înainte în fresce sau icoane. Le pasă cu adevărat.
Câteva fapte interesante despre atitudinea față de corp. Nu cu mult înainte de aceasta, în secolul al XIV-lea, în 1316, la Universitatea din Bologna au fost ținute prelegeri despre anatomia umană, primele, s-ar putea spune, pe această temă în Europa medievală. Adică, deja în secolul al XIV-lea, anatomia a devenit semi-interzisă, pentru că oamenii încă studiau anatomia, iar anatomia era importantă pentru medici, în special pentru medici, dar era considerată totuși un subiect semi-interzis, iar apoi, dintr-o dată, au fost prelegeri deschise. chiar la universitate. Oamenii de știință notează acest lucru ca fiind o astfel de piatră de hotar până la urmă.
Cu puțin timp înainte de aceasta, a fost dat chiar un decret pentru ridicarea interdicției de autopsie a cadavrelor umane. Acest decret a venit de la Frederic al II-lea, Sfântul Împărat Roman, Rege al Siciliei. Am vorbit puțin despre el, că era atât de patron al științelor și artelor. Și așa a avut curajul, ca un influent conducător laic, să emită un astfel de decret. Desigur, nu a venit de la biserică, biserica încă nu arăta prea bine la disecția cadavrelor, dar totuși era foarte importantă.
Lucruri de genul acesta au promovat o nouă atitudine față de corp. El, trupul însuși, nu mai era perceput ca păcătos, ci ca un adevărat corp uman cu toate, ca să spunem așa, consecințele care au urmat.
Dar cea mai interesantă compoziție din punct de vedere perspectivă este „Miracolul cu statirul”. După cum am spus, principalele povești de aici sunt dedicate vieții apostolului Petru. Iar minunea aceasta cu starul, când, după cum ne amintim, Petru se întoarce către Iisus, că, zic ei, ei cer tribut de la noi, iar Hristos zice că du-te să prinzi un pește și acolo vei găsi o monedă, un statir, și tu. o va plăti pentru mine și pentru mine. Un stater reprezintă exact două valori ale acestui impozit. Și așa, într-un peisaj care arată mai mult ca un peisaj, și nu dealuri de icoane convenționale, și din nou un fragment de clădire care arată mai mult ca un adevărat palazzo italian, cu o galerie atât de mică, cu un portic, și există un grup. de apostoli, un grup de ucenici sau oameni care ascultă acest dialog dintre Hristos și Petru. Și aranjamentul figurilor lui Masaccio în spațiu este mult mai liber decât cel al tuturor artiștilor anteriori.
Putem chiar să privim o diagramă în care putem vedea cum construiește el compoziția, cum toate liniile de perspectivă, forță și geometrică converg în figura centrală, ele converg în fața lui Hristos. În primul rând, el plasează astfel centrul absolut al tabloului, Hristos, adică acesta este centrul semantic și centrul compozițional și toate liniile converg asupra lui. Desigur, nu vedem aceste linii desenate, dar faptul că este clar construit geometric este prima dată când se face acest lucru. Înainte de aceasta, perspectiva era încă intuitivă. Nu era o perspectivă geometrică. Și aici aceste dezvoltări ale lui Brunelleschi, Donatello și alții sunt aplicate pentru prima dată cu atâta claritate.
Și, bineînțeles, așa cum spunea Vasari, toate figurile stau absolut clar, vedem, adică vedem în trupuri greutatea care apasă pe pământ. Vedem că acestea nu sunt corpuri convenționale, ci destul de proporțional reale și vedem nu fețe, ci fețe, sau cel puțin ceea ce se apropie de chipuri.
Și o încercare de a face fiecare personaj cu o caracteristică individuală și cu o reacție psihologică individuală. Acesta este chipul încrezător și calm al lui Hristos. Putem vorbi deja despre chipuri, și nu despre chipuri.
Acest lucru este puțin precaut, cu întrebări, puțin, poate chiar cu frică, pentru că du-te și prinde un pește și, dintr-un motiv oarecare, va fi o monedă în ea, adică până la sfârșit, Petru poate să nu creadă nici măcar cuvintele lui Mântuitorul, dar Toate acestea pot fi citite uimitor pe chipul lui. Și poți desluși și alte personaje în același mod.
Printre această mulțime, el s-a înfățișat pe sine, adică este din interior. Cu autoportretul său în interiorul acestei compoziții, arată că o privește din interior și de aceea apare spațiul extins, și această reacție umană. În general, când apare acest lucru uman, nu este încă despre ce ar vorbi filozofii în secolul al XIX-lea, uman, prea uman. Nu, aceasta este o dorință de a simți Evanghelia aici și acum, de a o experimenta nu ca trecut, ci de a o experimenta ca ceva ce se poate întâmpla cu tine.
Și este interesant că în fragmentul în care Peter îi dă colectorului de taxe acest stater, această monedă, vedem o aureolă complet diferită. Vedem aici, în general, halouri diferite. Doar că este cel mai vizibil aici. Adică, aceasta nu este o farfurie în care este înfipt sfântul, ci este un fel de strălucire transferată într-un alt plan. Desigur, acest lucru încă nu rezolvă problema halou-ului în general, dar aceasta este o încercare de a evita cumva problema atunci când figura se rotește în spațiu, iar halo-ul de culoare îngheață pe loc.
În același mod, puteți lua în considerare și alte compoziții, de exemplu, „Petru vindecă bolnavii cu umbra lui”. El merge pe stradă. Această stradă seamănă foarte mult cu o stradă florentină obișnuită, cu case de genul acesta, cu bovindouri. Iar oamenii care îl înconjoară pe Petru seamănă foarte mult cu adevărații cerșetori, cu adevărații locuitori ai Florenței, adică totul se apropie de pământ, dar de un pământ care nu uită de rai, ci de pământul căruia, de fapt, Mântuitorul a venit.
Este foarte important ca pământul pe care artiștii Renașterii îl explorează și își coboară cu adevărat privirea de la cer pe pământ, să nu fie doar un pământ care are deja o ruptură cu raiul, ci este pământul în care a venit Mântuitorul. Acest gând le-a fost, fără îndoială, drag, că Mântuitorul a dobândit același trup omenesc, că Hristos S-a întrupat. Această încarnare, misterul întrupării, a fost incomparabil de dragă Occidentului și aici nu este nevoie să contrastăm întotdeauna, când ne place să spunem, sărbătoarea centrală a Occidentului este Crăciunul, iar sărbătoarea principală a Orientului. Biserica Ortodoxă- e Paște. Poate că așa este, dar nu pentru că Occidentul este mai puțin religios, ci pentru că ideea întrupării le era dragă: Dumnezeu s-a făcut om.
„Învierea Fiului lui Teofil și Sfântul Petru pe tron” este, de asemenea, o compoziție foarte interesantă, în care apar și un număr mare de oameni, iar acest popor trebuie să fie cumva distribuit în spațiu, pentru a arăta cu adevărat reacția tuturor, și aici vedem nu doar câteva personaje convenționale, dar vedem de fapt că contemporanii lui Masaccio sunt martorii acestui miracol. Aici sunt florentinii. Toate sunt în hainele de atunci, adică hainele convenționale devin deja haine de beton. Și mai interesant, aici este ca și cum două compoziții sunt legate. Și ei scriu: „Sfântul Petru este pe tron”. De ce vindecă aici un băiat și iată-l pe tron?
Să aruncăm o privire mai atentă. De fapt, nu este Sfântul Petru pe tron, ci este o poză cu Sfântul Petru pe o pânză care este prinsă de perete și este venerat. Adică acesta nu este Sfântul Petru însuși, care stă pe tron, ci aceasta este o imagine a lui Petru, care este închinat și aici de călugări, mireni și oameni destul de nobili, judecând după unele haine, adică aceasta. este închinarea unei imagini, a unui altar, adică aceasta nu este lui Petru însuși, ci chipului său, dacă vrei, chiar și într-o oarecare măsură la icoana Sfântului Petru. Acesta este un punct foarte interesant.
Lucruri de genul acesta pe care nu le observi imediat arată cât de inventiv a fost artistul și devine primul în multe privințe. A fost primul care a realizat figuri nud reale, nu cele convenționale; el îi prezintă pe oamenii orașului său, făcându-i participanți la aceste evenimente sacre. Chiar și astea sunt lucruri interesante care nu atrag imediat atenția, e chiar un fel de joc, pentru că la început nu observi, apoi deodată vezi că acesta nu este Petru adevărat, ci un Petru tras, un apostol. desenat pe țesătură, iar ca imagine sacră ei se roagă deja la el aici. Adică, din nou, o trecere din vremea Sfântului Petru, din vremurile apostolice, în vremurile secolului al XV-lea.
Pentru a nu fi neîntemeiat, voi arăta mai multe compoziții pe care le-a scris Masolino. De exemplu, „Expulsion of Paradise” și „The Fall” sunt scrise pe stâlpii de la intrarea acestei capele. Și pe de o parte există exilul, pe de altă parte este Căderea. Dacă ne uităm la compoziția lui Masolino, le vom vedea și pe acestea, desigur, apropiindu-se mai mult sau mai puțin de corectitudinea anatomică a corpului, dar sunt parcă distilate, parcă purificate, sunt atât de sublime, deși este descrisă Căderea. Nu există pasiune aici, sunt atât de detașați.
Și, de fapt, acesta era obiceiul înainte de Masaccio și în vremuri mai vechi, când au apărut figurile nud. Și prima poză a fost deja după restaurare, dar pe aceasta o arăt în mod special pentru că le era atât de frică de lucruri atât de reale, încât mai târziu, chiar și la scurt timp după ce a fost făcută această capelă, au acoperit aceste trupuri cu o crenguță. Dar pentru Masaccio acest lucru a fost imposibil. Iată o comparație între Masolino și Masaccio, cum au funcționat diferit, deși în unele compoziții se poate vedea și Masolino împrumutând de la Masaccio. Masaccio poate fi văzut făcând un pas uriaș în comparație cu alții.
Recent, mai ales datorită faptului că capela a fost restaurată, a fost studiată cu mare atenție, multe compoziții au devenit totuși autorul lui Masolino; Așadar, „vindecarea lui Tabitha” se referă astăzi la Masolino. Și aici vedem și o încercare de a înfățișa strada, perspectiva, chiar niște planuri de fundal ale caselor și așa mai departe. Masolino întinse mâna spre prietenul său mai tânăr.
Sau „Predica lui Petru” din aceeași Capela Brancacci, unde mai vedem călugări, contemporani ai artiștilor și ai peisajului, adevărați munți, dar totuși spațiul lui Masolino este mult mai timid decât al lui Masaccio.
Interesant este că capela nu a fost finalizată imediat. S-a făcut în două etape, deoarece în august 1428, fără a finaliza lucrările din Capela Brancacci, Masaccio, la invitația lui Masolino, a plecat la Roma. Dar ideea nu era doar că a fost ademenit de o altă slujbă, ci că a existat doar o luptă între Brancacci și Medici. Medicii s-au aflat la un moment dat în exil, iar el s-a întors și s-a asigurat că Brancacci a fost băgat în închisoare, averea i-a fost confiscată și așa mai departe, adică victoria a rămas la Medici, iar acum rivalul său a fost învins. Și astfel lucrările s-au oprit timp de 50 de ani. A fost deja finalizat 50 de ani mai târziu de Filippino Lippi.
Masolino da Panicale
Vreau să arăt mai multe lucrări ale lui Masolino, pentru că mai ales în legătură cu lucrările de restaurare, deja la sfârșitul secolului al XX-lea din această capelă, cercetătorii au început să aibă un mare interes pentru figura lui Masolino, pentru că anterior Masaccio o închisese cumva. cu autoritatea lui. Dar Masolino este și un artist interesant. Bineînțeles, el aparține mai mult etapei precedente, Trecento-ului. Are o mulțime de trăsături gotice, dar în felul lui este și interesant maestru. De exemplu, aceasta este „Madona Milostivirii” de la Uffizi.
Sau „Madona” din Bremen. Această Madona din Bremen a fost probabil pictată cu ocazia unei căsătorii între reprezentanți ai familiilor Boni-Carnesecchi. Pictura, desigur, este mai legată de tendința gotică, dar acest artist, desigur, are pricepere, nu poate fi luată. Un alt lucru este că este clar că acest artist și alți artiști au lucrat în apropiere. Au continuat tendințele care erau în Trecento și nu dispar. Mai mult, ele sunt păstrate chiar și în unele orașe.
Doar că Florența, datorită lui Masaccio, și apoi datorită activității culturale foarte puternice a Medicilor înșiși, preia conducerea și mută arta într-o direcție complet nouă, dar totuși, o astfel de artă este și ea interesantă. Prin urmare, Masolino atrage acum foarte mult atenția cercetătorilor, ieșind din umbra prietenului său mai tânăr.
Iată, de exemplu, frumoasele sale fresce din San Climento din Roma. Poate tocmai pentru a realiza aceste fresce a fost chemat la Roma. Roma, până la urmă, a fost întotdeauna capitala, orașul papal, așa că era prestigios pentru orice artist, chiar și unul florentin, să vină la Roma. Și nu știm dacă Masaccio a făcut ceva în această capelă, dar Masolino a lăsat fresce frumoase aici.
Acest biserica faimoasa San Climento, încă creștin timpuriu, și aici povestea Sfintei Ecaterina din Alexandria este foarte interesantă.
Adică și acestea sunt fresce foarte interesante în felul lor, dar, repet, ele continuă în continuare tendințele anterioare.
Sau unul dintre baptisteriile din orașul Olonna. Pictura foarte eleganta. Avea gust elegant și era un bun meșter.
Dar repet că, în comparație cu Masaccio, el este, desigur, mai timid. El încearcă chiar să construiască perspectivă, de exemplu, în fresca „Sărbătoarea lui Irod”, dar încă nu este cea care ar fi stabilită după Masaccio.
„Adorarea magilor” de Masaccio
Dar să revenim la Masaccio, pentru că este un maestru care aduce mereu surprize. De exemplu, foarte faimoasa sa „Adorația magilor” este adesea reprodusă. Masaccio este unul dintre primii care a realizat o tehnică atât de frecventă, mai ales în Florența, când printre Magi vedem cetățeni florentini obișnuiți. Și aici, Maria stă pe un astfel de scaun, foarte caracteristic culturii italiene a Evului Mediu și a Renașterii, în spatele ei se află un astfel de grajd condiționat, iar în fața ei este un întreg grup cu cai, daruri potrivite pentru cult. și aducând cadouri.
Interesant este că în 1425, Masaccio a primit ordin de la mănăstirea carmelită din Florența de a picta o frescă pe peretele curții mănăstirii înfățișând sfințirea solemnă a bisericii, care a avut loc în 1422. Cei mai renumiți cetățeni florentini au fost prezenți la sfințire, iar el trebuia să-i picteze și se pare că i-a pictat. Din păcate, această frescă nu a supraviețuit. La sfârșitul secolului al XVI-lea, în timpul reconstrucției mănăstirii, aceasta a fost distrusă, dar din aceste lucrări ne putem imagina cum arăta, pentru că, se pare, i s-a dat porunca pentru că deja începuse să introducă cetățenii florentini în subiectele sale sacre, iar apoi i-au dat comandă o frescă aproape seculară - complotul sfințirii bisericii, dar cu multe figuri reale care existau la acea vreme. Se mai știe, din unele desene ale artiștilor din secolul al XVI-lea, printre care și tânărul Michelangelo, că au existat cu adevărat oameni adevărați care au locuit în Florența.
În Viața lui Masaccio, Vasari a dat destul descriere detaliată a acestei lucrări nesupraviețuite. El scrie: „El [adică Masaccio] a înfățișat acolo un număr nenumărat de cetățeni care, în mantii și cappuccios, urmează procesiunea, printre care Filippo di Ser Brunellesco în sandale de lemn, Donatello, Masolino da Panicale, profesorul său. Masaccio a reușit să așeze oamenii în rânduri de cinci și șase la rând pe suprafața acestui pătrat atât de bine încât sunt reduse proporțional și corect în conformitate cu punctul de vedere, iar acesta este cu adevărat un miracol. Și în special acordați atenție faptului că sunt la fel ca viața, pentru că el a reușit să-i înfățișeze atent pe acești oameni, nu toți de aceeași înălțime, dar cu observația cuvenită pentru a distinge între cei scunzi și grasi de cei înalți și slabi. și stau cu picioarele întregi pe aceeași suprafață, iar rândurile sunt reduse cu atâta succes încât în natură nu se întâmplă altfel.” Așa a descris Vasari această frescă neconservată.
Dar, strict vorbind, vedem acest lucru în compoziția „Adorarea magilor”. Dar ceea ce este din nou interesant este acest joc pe care Masaccio și-l permite uneori: vedem că unul dintre oamenii care se apropie de Madona printre această mulțime de închinători este încoronat, i se pune o coroană din spate. Nu știm cine este această persoană, dar este interesant și faptul că acest complot este introdus. Ori acesta este unul dintre Magi, deși în prim plan vedem doi Magi care se închină, ei poartă coroane, ori acesta este unul dintre florentini care se încoronează, pentru că în Florența se obișnuia să se încoroneze pe cineva, figuri proeminente, cu un coroană de laur. Nu știm asta. Unul ține o coroană în mâini, celălalt pune o coroană pe capul unuia dintre personaje, fie un vrăjitor, fie unul dintre florentini. Acest lucru este foarte interesant.
Apropo, „Adorarea Magilor” are și o soartă interesantă. Aceasta a fost inițial parte a unui poliptic pentru biserica Santa Maria del Carmine din Pisa. L-am urmărit pe Del Carmine în Florența, iar acesta era deja destinat orașului Pisa. Aceasta face parte dintr-o comandă mare și semnificativă pe care a primit-o Masaccio. Proprietarul capelei era notarul Ser Giuliano di Colino del Scarsi, iar el a lăsat o evidență a sumelor de bani plătite pentru această lucrare lui Masaccio și altor artiști, deoarece polipticul era inițial destul de mare. Acesta este doar un fragment din partea inferioară orizontală a polipticului altarului, așa-numita predelă. Și această imagine de altar se pare că a existat până la sfârșitul secolului al XVI-lea, apoi a avut loc o reconstrucție majoră a bisericii. În descrierea orașului Pisa, care a fost publicată în 1787, polipticul lui Masaccio este descris ca pierdut, dar deja în 1796 unul dintre panourile acestei imagini a fost găsit și donat Pisei. Treptat, s-au mai descoperit zece panouri, au fost în diferite muzee, iar șapte dintre ele, inclusiv acesta, se află astăzi la Berlin. Foarte des, aceste compoziții uriașe de altar au fost apoi demontate în părți separate și vândute, donate și așa mai departe.
"Sf. Trinity” în Santa Maria Novella
Aș dori să închei cu cea mai uimitoare și mai misterioasă lucrare a lui Masaccio. Aceasta este compoziția „Trinity”. În primul rând, aceasta este probabil cea mai corectă din punct de vedere geometric și cea mai structurată din punct de vedere geometric al lui compoziție, unde a construit atât de înțelept această perspectivă încât aici arhitectura reală coincide absolut cu arhitectura desenată. Și, stând în fața acestei compoziții, nici nu-ți dai seama că totul aici este o iluzie, o iluzie creată de pictură. Acum chestia asta a fost transferată pe pânză. Aceasta a fost odată o frescă, o imagine de altar pictată pe perete. Acum este transferat pe pânză și plasat într-un muzeu, dar cândva a fost inclus direct în arhitectura reală, iar arhitectura reală pur și simplu a fuzionat cu arhitectura care este reprezentată cu vopsea.
Compoziția „Trinitatea” a fost scrisă în 1427. Aceasta este considerată ultima mare lucrare a lui Masaccio. A fost scris pentru biserica florentină Santa Maria Novella. Aici, tot ce a descoperit Filippo Brunelleschi poate fi folosit mai mult decât el însuși, pentru că el, desigur, a făcut toate acestea mai mult în desene, apoi în arhitectură, și aici în pictură, adică nu vedem când merge bidimensional. în spațiul tridimensional.
Dacă ne uităm chiar la diagramă, și aceasta este doar o parte, de obicei ei desenează o diagramă și mai complexă, compoziția în sine constă dintr-un astfel de cadru arhitectural, atunci există iluzia unei nișe cu un tavan casetat, unde Dumnezeu cel Tatăl este înfățișat ținând în mâini o cruce cu răstignirea Fiului lui Dumnezeu, iar în fața acestei cruci stau Maica Domnului și Ioan. Mai departe, mai aproape de noi, deja, parcă, în afara acestei nișe, deși totul este scris pe un singur plan, clienții acestei compoziții sau donatorii stau în fața acestei Treimi, contemplând și rugându-se.
Iar dedesubt se află un piedestal și o nișă cu un sicriu unde zace defunctul, adică este practic un schelet, un cadavru descompus cu o anumită inscripție. o voi citi. Acesta este un simbol al vechiului Adam, învins de moartea lui Hristos pe cruce. Există o inscripție: „Am fost la fel ca tine, dar vei deveni la fel ca mine”. În spiritul lui Solomon, o astfel de inscripție, memento mori, amintiți-vă de moarte.
Dar, în același timp, când ochiul coboară, el revine mereu în sus, la chipul lui Hristos, care este ținut de Tatăl. Aceasta este o compoziție foarte complexă, în care nici măcar nu este indicată aici, dar există diagrame diferite în care sunt prezentate sferele, deoarece aici sunt două sfere care includ imaginea Tatălui și a Fiului și partea inferioară, care este uman, parcă divin și uman uniți prin moarte.
Și din nou, contemplând această moarte a lui Hristos pe cruce, adevărații ei martori, Maica Domnului și Ioan, par să corespundă cu două figuri de femeie și de bărbat, clienții. Adică, din nou, transferul a ceea ce s-a întâmplat pe Golgota la ceea ce se întâmplă aici, adică adevărații martori nu sunt doar cei care au fost acolo, ci și cei care sunt aici, iar cei care mor, ajung și ei. în mâinile Tatălui. Adică, există aici un sistem teologic foarte complex, care pare să traducă constant un lucru în altul: la fel cum un plan este tradus în spațiu tridimensional, așa este tradus. contextul modernîntr-un context istoric, ca să spunem așa, și apoi într-unul metaistoric și așa mai departe.
Acesta este, de fapt, de ce maeștrii Renașterii aveau deloc nevoie de perspectivă? Nu numai pentru a arăta spațiul real și ceea ce vede ochiul uman, ci și pentru a pune în relație privitorul cu ceea ce vede, pentru a plasa o persoană nu doar ca spectator, ci ca participant, pentru că, desigur, s-au făcut multe, așa cum s-a dovedit acum, cu ajutorul camerei obscure, când o persoană se uită pe o anumită fereastră și ochiul său este nemișcat. Dar, de fapt, perspectiva face o persoană să se miște în acest spațiu. Aceasta este tocmai perspectiva inversă, care concentrează toate liniile asupra unei persoane, făcându-l nemișcat, iar în jurul lui acest spațiu se rotește, dar acolo timpul îngheață, devine eternitate, iar această rotație este aproape egală cu această înghețată, înghețată. eternitate. Și aici a fost foarte important pentru el să arate mișcarea timpului și întoarcerea cercurilor din timpul istoric în timp real și așa mai departe.
Cred că sensul acestei perspective geometrice liniare nu a fost încă înțeles teologic. De obicei este denumit pur și simplu planul Pământului, dar acest lucru nu este adevărat. În orice caz, Masaccio arată că totul este mult mai complicat.
După Giotto, se crede că Masaccio este următoarea figură. Ocupă un loc important în istoria picturii în special în frescă, deoarece a fost frescă pe care italienii au subliniat-o, poate chiar au înzestrat, cu mult mai mare importanță decât arta șevaletului. Și vom vedea că în fresce maeștrii Renașterii au descoperit cu adevărat, poate chiar mai mult, decât în arta șevaletului.
Interesant este că nu numai Vasari îl laudă pe Masaccio, dar am văzut că Vasari însuși își construiește propria logică a dezvoltării artei și scoate în evidență anumite figuri, uneori, poate, dându-le chiar și pe ale sale, fără semnificație istorică, dar aproape toți artiștii l-au observat pe Masaccio. Toți au învățat de la el. De exemplu, Leonardo da Vinci a vorbit despre Masaccio în felul acesta: „Florentinul Tommaso, supranumit Masaccio, a arătat cu opera sa perfectă că cei care nu erau inspirați de natură, profesorul profesorilor, au lucrat în zadar.” Această atenție față de natură, așa cum spune el, Leonardo, profesorul profesorilor, este într-adevăr făcută cu foarte multă măiestrie de către Masaccio.
Epitaful lui Annibale Caro, dedicat lui Masaccio, scris în cinstea lui, sună astfel: „Ca pictor, m-am comparat cu natura. // El a împărtășit cu adevărat mișcare, viață și pasiune oricărei lucrări. Marele Bonarroti // I-a învățat pe toți ceilalți și a învățat de la mine.” Acest lucru este foarte important, că aproape toți marii maeștri care au lucrat după el au studiat de fapt cu Masaccio. Toți au remarcat că el a fost cel care a făcut o descoperire în arta picturii.
Literatură
- Weyer L. Reconstituirea programului ciclului de fresce al lui Masolino da Panicale din Bazilica San Clemente din Roma. - pe sâmbătă. Bizanţul, slavii de sud şi Rusiei antice, Europa de Vest. M. Nauka, 1973, p. 438-449.
- Dzeri F. Masaccio. Treime. M. 2002.
- Zuffi S. Reînvierea. Secolul XV. Quattrocento. - M.: Omega-press, 2008.
- Lazarev V.N. Începutul Renașterii timpurii în arta italiană. M. Art, 1979.
- Znamerovskaya T.P. Problemele Quattrocento și opera lui Masaccio. L.: Editura Universității de Stat din Leningrad, 1975.
- Stendhal. Renașterea timpurie. OLMA-PRESS. M., 2014.
- Berti L., Foggi R. Masaccio, Florența 1989.
- Casazza Ornella, Masaccio e la Cappella Brancacci, 1990, Firenze, Edizioni Scala.
- Spike John T. Masaccio. - Milano: Rizzoli libri illustrati, 2002.
Masaccio(1401-1428). Nume real: Tommaso di Giovanni di Simone Cassai. Potrivit lui Vasari, a primit porecla Masaccio („slob”) pentru că, fiind cufundat în problemele creativității, nu a acordat absolut nicio atenție preocupărilor lumești, în special aspectului.
Născut pe 21 decembrie în orașul toscan Castel San Giovanni. Din păcate, nu se știe practic nimic despre copilăria și tinerețea artistului. În 1422, la Florența, Masaccio s-a alăturat breslei medicilor și farmaciștilor, care includea și artiști. În perioada sa timpurie de creativitate, el a creat o serie de retablouri, inclusiv compoziția „Madona și Pruncul și Sfinții” pentru mica biserică San Giovenale din Casadi Reggello, precum și polipticul „Madona și Pruncul și Îngerii” (1426) pentru biserica Santa Maria del Carmine din Pisa.
Ruptura decisivă a artistului cu tradiția artistică anterioară a fost pe deplin evidentă în timp ce lucra la fresca „Trinitatea” (c. 1427) pentru biserica florentină Santa Maria Novella. Artistul a plasat imaginea celor trei ipostaze ale lui Dumnezeu într-o mică capelă boltită, creând pe perete o imagine iluzionistă a arhitecturii, care a devenit prima încercare reușită de a folosi principiul perspectivei liniare cu un singur punct de fugă în pictură. În partea de jos a compoziției, artistul a descris un schelet întins pe un sarcofag sub inscripția: „Am fost cândva ceea ce ești și ceea ce sunt, încă vei deveni”, ceea ce adaugă dramatism temei principale a frescei - biruința credinței asupra morții.
Cea mai ambițioasă lucrare a lui Masaccio au fost frescele Capelei Brancacci din Biserica Santa Maria del Carmine din Florența, scrise în colaborare cu Masolino da Panicale. Începute în 1427, au rămas neterminate multă vreme (amândoi artiștii au plecat la Roma în 1428), până când Filippino Lippi a finalizat pictura întregii capele în jurul anului 1484. În acest complex, frescele „Expulzarea din Paradis”, „Minunea Statirului”, „Botezul neofiților de către Petru”, „Apostol Petru vindecând bolnavii cu umbra sa”, „Apostol Petru împărțind proprietatea comunității între săraci. ”, „Învierea fiului regelui Antiohiei” sunt atribuite lui Masaccio ”, și, de asemenea, parțial - „Vindecarea infirmului” și „Învierea lui Teofil”. Pictate cu o mână energică și îndrăzneață, personajele din frescele lui Masaccio sunt pline de un spirit eroic, care le deosebește de imaginile fragile și grațioase ale picturii gotice târzii. Modelarea puternică a luminii și a umbrelor conferă figurilor volum și plenitudine, acestea sunt integrate cu măiestrie în peisajul înconjurător, pictate ținând cont de perspectiva lumină-aer.
Artistul a murit la Roma în 1428 la vârsta de 27 de ani, dar ceea ce a reușit să facă poate fi numit, fără exagerare, o revoluție în pictură. Numele Masaccio se plasează printre maeștri precum Brunelleschi, Donatello și Ghiberti, considerați fondatorii Renașterii italiene.
Masaccio. Autoportret
Rolul onorabil de a reprezenta pictura din Quattrocento florentin i-a revenit artistului Tomazzo di Giovanni di Simone Cassai, cunoscut sub numele de Masaccio.
S-a născut la 12 decembrie 1401 în familia unui notar, în orașul San Giovanni Valdarno de lângă Florența.
Tatăl său a murit foarte tânăr la vârsta de 27 de ani (fiul său celebru i s-a permis să trăiască la fel). Viitorul artist avea doar cinci ani când tatăl său a murit. Mama lui, amanta unui mic
hotel din sat, s-a recăsătorit cu bătrânul farmacist local Tedesco di Mastro Feo, care a murit când Tomazzo avea 16 ani. Tomazzo a devenit cel mai mare bărbat din familie, susținătorul ei. Potrivit memoriilor contemporanilor săi, era o persoană amabilă, simpatică, care refuza să ajute pe nimeni, adesea în detrimentul său. Pentru neatenția lui față de viața și îmbrăcămintea din jur, toscanii i-au dat porecla Masaccio („Neîndemânatic”).
În 1418, Tomazzo a plecat la Florența pentru a studia pictura. Potrivit lui Vasari, primii săi profesori au fost Masolino da Panicale şi Mariotto di Cristofano. Acum această opinie este considerată eronată, dovadă fiind faptul că Masaccio a primit titlul de maestru al picturii și a fost acceptat în atelierul de medici și farmaciști (la vremea aceea includea și farmaciști) cu un an mai devreme decât Masalino. În plus, picturile acestor maeștri sunt complet diferite operele lui Masaccio nu poartă nicio urmă a influenței lor.
Cel mai probabil, Masaccio a studiat în atelierul lui Bicci di Lorenzo, unul dintre cei mai cunoscuți artiști ai vremii. Dar o școală adevăratăMasaccio a început să comunice cu maeștri remarcabili ai Renașterii timpurii - arhitectul Brunelleschi și sculptorul Donatello.
În 1424, Masaccio a devenit membru al Breslei Sf. Luca, o organizație de artiști florentini. Anul acesta este remarcabil pentru începutul cooperării cu Masolino. Fără îndoială, Masolino a fost cel mai mare artist din prima jumătate a secolului al XV-lea, stilul său a fost apropiat și de înțeles de contemporanii săi, care au fost atrași de goticul aristocratic cu basmul și eleganța sa religioasă. Acest lucru a făcut posibil ca Masolino să primească comenzi bune, ceea ce i-a determinat conducerea în organizarea muncii. Masaccio a primit rolul de asistent. Unicitatea situației a fost că tânărul asistent a avut o mare influență asupra muncii eminentului său camarad senior.
Una dintre picturile comune timpurii supraviețuitoare ale lui Masaccio și Masolino, „Madona și Pruncul cu Sfânta Ana”, a fost pictată pentru biserica Sant’Ambrogio în jurul anului 1424.
Cota de autor a fiecărui artist este încă controversată. Vasari i-a atribuit lui Masaccio paternitatea întregii picturi. Criticul de artă Roberto Longhi credea că Masaccio a pictat Madona cu Pruncul și îngerul drept care ține perdeaua, iar orice altceva a fost scris de Masolino, căruia probabil că pictura i-a fost comandată. Pictura păstrează schema iconografică medievală a parcelei „Sf. Anna în trei” (Maria stă în poala Annei, iar în poala Mariei este pruncul Hristos).
Deja în această imagine, Masaccio preia cu îndrăzneală problema profunzimii și compoziției spațiale, modelarea corpul uman. Pictura este plină de frumusețe decorativă - trăsătură caracteristică lucrările sale.
În 1426, la Pisa, contra unei taxe mici, Masaccio a creat un mare poliptic de altar pentru capela mănăstirii Santa Maria del Carmine. Acum este greu de imaginat cum arăta inițial, pentru că deja în secolul al XVIII-lea această imagine era împrăștiată, iar acum părțile ei sunt în muzee și colecții. diferite țări pace. Partea centrala Retabloul „Madona și copilul cu îngeri” se află în Galeria Națională din Londra.
În „Madona și copilul și îngerii” elemente decorative dispărut în fundal. Imaginea este construită strict după legile perspectivei lui Giotto. Aici Masaccio a folosit deja cu pricepere spațiul tridimensional pentru a crea volumul sculptural al figurii Madonnei. Datorită unei cunoștințe excelente de anatomie, figurile îngerilor sunt pictate impecabil.
Masaccio. Frescuri
Frescele au fost întotdeauna cea mai venerată formă de artă din Florența. Frescuri au decorat bisericile și palatele, capelele și clădirile publice nu numai în interior, ci și în exterior. La fel ca și Giotto, frescele formează baza moștenirii artistice a lui Masaccio. Și, ca și Giotto, Masaccio ocupă un loc proeminent în istoria tehnicii frescei. Opera principală și culmea creativității artistului au fost frescele din Capela Brancacci din Biserica Santa Maria del Carmine (1427-1428). Clientul a fost celebrul cetăţean florentin Felice Brancacci. Masolino a început să picteze capela în 1424, apoi Masaccio și-a continuat munca și la numai 50 de ani de la moartea lui Masaccio a fost finalizată de artistul Filippino Lippi. Din păcate, starea frescelor Capelei Brancacci lasă de dorit. Au fost grav avariate de funinginea unui mare incendiu în 1771 și deja în secolul al XVIII-lea au fost restaurate de mai multe ori.
Din fericire, în 1988 frescele au fost restaurate la forma lor originală. Capela Brancacci este de dimensiuni mici. Frescele erau pe trei rânduri deasupra unui panou pictat pentru a semăna cu placarea cu marmură. Masaccio a pictat frescele: „Expulzarea din Paradis”, „Miracolul Statirului”, iar fresca de pe peretele altarului - „Botezul convertiților”.
Aceasta este prima descriere realistă a corpului uman. Conform tradiției medievale, figurile umane erau înfățișate în așa fel încât „picioarele nu călcau pe pământ și nu se contractau, ci stăteau în vârful picioarelor” (Vasari). Masaccio le-a dat stabilitate. Corpurile lui Adam și Eva nu sunt doar corecte din punct de vedere anatomic, mișcările lor sunt naturale, artistul și-a transmis perfect sentimentele de rușine și disperare. Iar imaginea unui înger cu o sabie în mână creează iluzia spațiului.
Masaccio. „Miracolul Staterului” și „Madona gâdilând copilul”
Se bazează pe o poveste biblică despre un colector de taxe din oraș care a cerut un statir (o monedă greacă antică) de la Hristos și apostolii săi pentru posibilitatea de a intra în oraș. Hristos i-a poruncit lui Petru să prindă un pește în lac și să scoată o monedă din gură. Petru a găsit de fapt stirul în gura peștelui și i-a dat-o vameșului.
Aducând un omagiu tradiției medievale, Masaccio a plasat trei episoade dintr-o compoziție cu mai multe figuri în momente diferite pe un singur plan. Însă, încălcând aceeași tradiție, scenele din ea nu merg una după alta, artistul le-a adunat în grupuri semantice separate, dar cu un calcul atât de artistic încât succesiunea a ceea ce se întâmpla era evidentă. Masaccio a rezolvat cu brio problemele perspectivei aeriene și liniare. Dealurile și copacii merg de-a lungul, figurile sunt așezate liber în peisaj, se creează un fel de mediu aerisit între ele. Masaccio a transformat legenda biblică într-o narațiune vie, dând trăsături de portret grupului de discipoli ai lui Hristos din centru: figura din dreapta este considerată un autoportret al lui Masaccio, iar chipul din stânga lui Hristos seamănă cu Donatello. Din momentul apariției lor, frescele lui Masaccio din Capela Brancacci au devenit o adevărată școală de pictură pentru multe generații de artiști. Leonardo da Vinci, Botticelli, Rafael, Michelangelo au venit aici pentru a se familiariza cu opera fondatorului realismului renascentist.
Fresca Trinității (1427-1428) din biserica florentină Santa Maria Novella a devenit o imagine clasică a compoziției altarului.
Pentru prima dată în pictura murală, Masaccio a folosit perspectiva completă. Artistul a construit compoziția în așa fel încât imaginea devine mai mică pe măsură ce se îndepărtează.
În jurul anului 1426, Masaccio, comandat de viitorul cardinal Antonio Casini, a pictat un mic tablou „Madona gâdilând un copil”.
Imaginea este remarcabilă pentru că transmite sentimente umane tandre: o mamă iubitoare se joacă cu un copil care zâmbește bucuros. În 1947, pictura a fost găsită printre lucrările furate de naziști în timpul celui de-al Doilea Război Mondial. Acum se află în Galeria Uffizi.
În august 1428, fără a finaliza pictura din Capela Brancacci, Masaccio, la invitația lui Masolino (probabil pentru a participa la executarea unei mari comenzi), a plecat la Roma și a reușit chiar să înceapă pictarea frescei Calvarului în Biserica San Clemente când a murit pe neașteptate. Nu se poate decât să regrete amar cât de multe capodopere nu au fost create...
Locul lui Masaccio în artă este greu de supraestimat. Potrivit lui Vasari, „a fost primul care a pus oamenii pe picioare”, a rezolvat problemele de perspectivă și a dat o nouă imagine a unei persoane înzestrate cu trăsăturile democrației, excluzând orice limită de clasă.
Opera lui Masaccio a avut o influență profundă asupra dezvoltării picturii renascentiste și, mai larg, a întregii picturi europene în general. Lucrările sale au fost studiate de multe generații de artiști, inclusiv Rafael și Michelangelo. Viața scurtă, dar neobișnuit de bogată în descoperiri creative, a remarcabilului maestru a căpătat o formă aproape legendară în Europa și a găsit un răspuns în operele de artă.
Masaccio s-a născut în decembrie 1401 într-un orășel situat lângă Florența. Tatăl său a murit la o vârstă fragedă, în 1406, lăsând doi fii tineri. Mama, Mona Jacopa, s-a recăsătorit cu un farmacist destul de bogat, care era mult mai în vârstă decât ea.
Viitorul artist și-a dobândit porecla pentru dispoziția sa veselă, chiar nesăbuită. În adolescență, Masaccio s-a mutat la Florența și a devenit ucenic în studioul unui artist popular din oraș. A fost acceptat în corporația medicilor și farmaciștilor, care includea multe personalități creative, la vârsta de 21 de ani. Și după câțiva ani au fost înscriși în Asociația Sf. Artiști. Luke.
Un tablou supraviețuitor (circa 1424), „Madona și Pruncul și Sf. Anna.” În această lucrare magnifică a unui tânăr de 23 de ani, sunt vizibile tehnici inovatoare în tehnicile de pictură, care erau îndrăznețe la acea vreme. Aceste întrebări sunt pe care pictorii din multe țări le vor rezolva în cursul secolului al XV-lea.
În 1426, maestrul a fost invitat la Pisa pentru a picta un poliptic de altar. Lucrarea a fost evaluată foarte modest, dar tânărul avea nevoie de bani și a fost nevoit să fie de acord. Acum câteva fragmente din această lucrare pot fi văzute în muzee și colecții private.
Un fragment din triptic împodobește galeria principală din Londra. Vizitatorii se opresc întotdeauna involuntar în apropierea acestei lucrări. O arată pe Madona stând pe un tron. Cadrul original pare să taie vârful tronului și creează iluzia unui spațiu imens cu un fundal auriu. Figurile Madonei cu Pruncul sunt descrise în așa fel încât privitorul să simtă tridimensionalitatea lor și tridimensionalitatea mediului în care se află. Imaginea tronului ascunde ușor figurile a doi îngeri. Dar cealaltă pereche de îngeri, care stau pe trepte, dimpotrivă, sunt înfățișate clar, sporind aspectul de profunzime.
Picturile maestrului au devenit foarte faimoase: „Miracolul Statirului”, „Expulzarea din Paradis” și altele. Vor trece mulți ani și genii picturii Rafael, Leonardo da Vinci și Michelangelo vor începe să-i studieze cu entuziasm.
„Miracolul Staterului” este o altă capodoperă a tânărului pictor. Un peisaj pitoresc apare în fața privitorului. Pe fundalul ei se desfășoară o scenă interesantă, îmbinând armonios câteva mici scene din legenda biblică. În centrul apostolilor se află Hristos. Cu un gest calm, oprește cearta dintre Peter și vameșul, care este tras cu spatele la privitor, ceea ce face dialogul său cu Peter convingător. În stânga, Petru, la cererea lui Hristos, ia un statir (monedă) din gura peștelui pe care tocmai l-a prins. În dreapta, Peter dă moneda colecționarului.
Stilul gotic, comun în Italia în secolele XIV – XV, este depășit în lucrările mai sus menționate ale maestrului. În picturile sale, maestrul pictează destul de des mai multe scene din viața lui Petru. Dă viață poveștilor biblice pentru că le prezintă oameni realiși arhitectura vremii.
Arhivele păstrează un document din 1427, care spune că Masaccio închiriază o cameră și are mulți creditori.
În 1428, Masaccio, la invitația lui Masolino, s-a mutat la Roma și acolo pictorul în vârstă de 28 de ani a murit brusc. Orașul a început să vorbească despre otrăvire. Vasari a susținut și această versiune. Cu toate acestea, nu au fost găsite dovezi convingătoare în acest sens.
