De ce sunt copiii din picturile medievale atât de urâți? Pentru a găsi răspunsul la această întrebare, corespondentul Vox Phil Edwards a vorbit cu Matthew Averett, profesor de istoria artei la Universitatea Creighton și editor al antologiei " Copilul în arta și istoria modernă timpurie„(Copilul modern timpuriu în artă și istorie).
„Urât” înseamnă ușor. Bebelușii din picturile medievale arată ca niște bărbați mici de coșmar cu nivel înalt colesterolul.
Aceștia sunt copiii anului 1350:
Un copil ciudat din 1350 în compoziția „Madona din Veveří” a maestrului Retarului Vyshebrod. .
Sau iată încă unul din 1333:
„Madona cu Pruncul” pictat în Italia, de Paolo Veneziano, 1333. Portofoliu Mondadori / .
Privind la acești oameni mici urâți, ne gândim cum am reușit să trecem de la imaginile medievale urâte ale copiilor la bebelușii angelici ai Renașterii și timpurilor moderne. Mai jos sunt două imagini care arată cât de mult s-a schimbat ideea feței unui copil.
.
Filippino Lippi/ .
De ce erau atât de mulți bebeluși urâți în tablouri? Pentru a înțelege motivele, trebuie să ne uităm la istoria artei, la cultura medievală și chiar la ideile noastre moderne despre copii.
Poate că artiștii medievali erau pur și simplu rău la desen?
Acest tablou din secolul al XV-lea este realizat de artistul venețian Jacopo Bellini, dar copilul este înfățișat într-un stil medieval. .
Copiii au fost în mod deliberat portretizați ca fiind urâți. Linia dintre Evul Mediu și Renaștere este utilă atunci când avem în vedere trecerea de la copiii „urați” la cei mult mai drăguți. Comparațiile între diferite epoci tind să dezvăluie diferențe de valori.
« Când ne gândim la copii într-o lumină fundamental diferită, acest lucru se reflectă în picturi - spune Averett. - Asta a fost alegerea stilului. Am putea să ne uităm la arta medievală și să spunem că acești oameni nu arată bine. Dar dacă scopul este ca tabloul să arate ca Picasso și tu creezi o imagine realistă, atunci ei ți-ar spune că ai greșit. Deși inovațiile artistice au venit odată cu Renașterea, ele nu sunt motivul pentru care bebelușii au devenit mai frumoși».
Nota:
Este general acceptat că Renașterea a început în secolul al XIV-lea la Florența și de acolo s-a răspândit în toată Europa. Cu toate acestea, ca orice mișcare intelectuală, este caracterizată atât prea larg, cât și prea restrâns: prea larg în sensul de a crea impresia că valorile Renașterii au apărut instantaneu și peste tot și prea îngust prin faptul că limitează mișcarea în masă la o zonă de inovatie. Au existat lacune în Renaștere - puteai vedea cu ușurință o imagine a unui copil urât în 1521 dacă artistul s-ar fi dedicat acestui stil.
Putem urmări două motive pentru care bebelușii din picturile din Evul Mediu arătau bărbătești:
- Majoritatea bebelușilor medievali erau imagini ale lui Isus. Ideea unui Iisus homuncular (că El s-a născut după asemănarea unui adult și nu a unui copil) a influențat modul în care toți copiii au fost înfățișați.
Portretele medievale ale copiilor, de regulă, au fost create din ordinul bisericii. Aceasta înseamnă că l-au înfățișat fie pe Isus, fie alți câțiva copii biblici. În Evul Mediu, ideile despre Isus au fost puternic influențate de homunculus, care înseamnă literal omuleț. « Conform acestei idei, Isus a apărut complet format și nu s-a schimbat - spune Averett. - Și dacă comparăm asta cu pictura bizantină, obținem o imagine standard a lui Isus. În unele picturi el pare să aibă semne de chelie masculină».
Pictură de Barnaba da Modena (activ din 1361 până în 1383). Foto: DeAgostini/.
Iisus homuncular (cu aspectul adult) a devenit baza pentru toate desenele copiilor. De-a lungul timpului, oamenii au început pur și simplu să creadă că așa ar trebui să fie portretizați bebelușii.
- Artiștii medievali erau mai puțin interesați de realism
Această reprezentare nerealistă a lui Isus reflectă o abordare mai largă a artei medievale: artiștii din Evul Mediu erau mai puțin interesați de realism sau forme idealizate decât omologii lor renascentist.
« Ciudățenia pe care o vedem în arta medievală provine dintr-o lipsă de interes pentru naturalism și o înclinație mai mare către tradițiile expresioniste.”, spune Averett.
La rândul său, acest lucru a făcut ca majoritatea oamenilor din Evul Mediu să fie portretizați ca fiind similari. " Ideea de libertate artistică în a atrage oamenii așa cum îți dorești ar fi nouă. Convențiile au fost respectate în art».
Aderarea la acest stil de pictură i-a făcut pe bebeluși să pară ca niște tătici demodați, cel puțin până în perioada Renașterii.
Cum copiii au redevenit frumoși în timpul Renașterii
Un copil dulce într-un tablou de Rafael, 1506. Foto: Fine Art Images/Heritage Images/.
Ce s-a schimbat și a dus la faptul că copiii au redevenit frumoși?
- Arta non-religioasă a înflorit și oamenii nu au vrut ca copiii lor să arate ca niște niște înfiorătoare
« În timpul Evului Mediu vedem mai puține imagini ale clasei de mijloc și ale oamenilor de rând", spune Averett.
Odată cu Renașterea, acest lucru a început să se schimbe pe măsură ce clasa de mijloc din Florența a prosperat și oamenii își puteau permite portrete ale copiilor lor. Portretul creștea în popularitate, iar clienții doreau ca copiii lor să arate mai degrabă ca niște bebeluși drăguți decât ca niște homunculi urâți. Acesta este modul în care standardele în artă s-au schimbat în multe feluri și, în cele din urmă, în desenarea portretelor lui Isus.
- Idealismul renascentist a schimbat arta
« În timpul Renașterii, - spune Averett, - a existat un nou interes pentru observarea naturii și înfățișarea lucrurilor așa cum au fost văzute de fapt" Și nu în tradițiile expresioniste stabilite anterior. Acest lucru s-a reflectat în portrete mai realiste ale bebelușilor și în heruvimi frumoși, care au absorbit cele mai bune trăsături de la oameni reali.
- Copiii erau recunoscuți drept creaturi nevinovate
Averett avertizează să nu fie prea strict cu privire la rolul copiilor în Renaștere - părinții din Evul Mediu își iubeau copiii la fel de mult decât făceau în Renaștere. Dar însăși ideea de copii și percepția lor s-a transformat: de la adulți mici la creaturi inocente.
« Mai târziu ne-a venit ideea că copiii sunt nevinovați - notează Averett. - Dacă copiii se nasc fără păcat, ei nu pot ști nimic».
Pe măsură ce atitudinea adulților față de copii s-a schimbat, același lucru s-a reflectat și în portretele copiilor pictate de adulți. Copiii urâți (sau cei frumoși) sunt o reflectare a ceea ce crede societatea despre copiii săi, despre artă și despre sarcinile sale de părinte.
De ce ne dorim ca copiii noștri să arate frumos
Toți acești factori au influențat faptul că copiii au devenit personajele dolofane cu care suntem familiarizați astăzi. Și pentru noi, telespectatorii moderni, acest lucru este ușor de înțeles, pentru că mai avem niște idealuri post-Renaștere despre copii.
În opinia noastră, este bine că imaginile copiilor s-au schimbat. La urma urmei, doar unei mame i-ar putea plăcea o astfel de față:
Icoana din 1304, Bitonto. Foto: Mondadori Portfolio/.
Lecția 2. E timpul
Imaginea omului este unul dintre cele mai controversate concepte din istoria lumii. cultura artistica. De-a lungul diferitelor ere, oamenii s-au perceput diferit. Și din această percepție stilul lui de viață s-a schimbat. Astăzi vreau să fac o paralelă prin epoci istorice și să arăt cum s-a schimbat această imagine.
Epoca antichității.
Epoca antichității este considerată epoca iluminismului. Naturalitatea a fost considerată principalul lucru în percepția oamenilor asupra lumii, iar corpul uman a servit ca standard în lumea artei. Pe baza similitudinii de construire a proporțiilor corpului uman, oamenii au ridicat clădiri. Dumnezeu era om, iar omul era dumnezeu. Zeii erau înzestrați cu pasiuni și vicii umane și se ridicau statui oamenilor, asemenea zeilor. Corpul uman era un templu. Sculptorul a recreat fiecare mișcare și fiecare pliu de îmbrăcăminte în marmură. Fiecare mușchi era la locul lui, creând impresia unui moment încremenit în piatră, ca unul surprins de privirea gorgonei Meduse.
Nu numai sculptura a reprodus corpul uman. Frescele de perete au adus în cameră ceea ce oamenii doreau să vadă - peisaje, scene de sărbători, dansuri, motive mitologice, scene de natură erotică. Și totul a fost descris în același mod - cu mare acuratețe. 
În secolele I-III d.Hr., după capturarea Egiptului de către Alexandru cel Mare, în orașul egiptean Fayum au fost realizate portrete funerare, remarcate prin asemănarea izbitoare cu o persoană vie și prin tehnica de execuție care amintește de picturile renascentiste. Oamenii vor învăța să scrie din nou așa abia după o mie de ani. 
Evul Mediu.
Evul Mediu, conform diverselor estimări, a durat de la opt sute la o mie două sute de ani în diferite regiuni ale Europei. A fost o perioadă de vremuri tulburi, incluzând multe repere, atât în istorie, cât și în artă. Dumnezeu a devenit principalul lucru pentru oamenii europeni. Trupul s-a transformat într-un rudiment, o cătușă pentru nemuritor suflet uman. La urma urmei, sufletul este nemuritor, dar ce este trupul? Corpul, desigur, își dorește constant ceva: are nevoie să mănânce, să doarmă, are nevoie de căldură, are nevoie de afecțiune. Isus a suferit pentru noi pe cruce și noi trebuie să suferim prin îmblânzirea trupurilor noastre pentru a ne purifica sufletele. O persoană este concepută în păcat, născută în păcat și, pentru tot restul vieții, încearcă să ispășească acest păcat pentru a intra în Împărăția Cerurilor. 
Ca și în Egipt, există un cult al vieții după viață, dar, spre deosebire de Egipt, pentru o persoană medievală, viața ar fi trebuit să înceapă abia după moarte. Și, din moment ce corpul este atât de fragil și, de fapt, inutil, nu are rost să încerci să-l portretizezi frumos. La început, artiștii au învățat cum să dezvețe cum să deseneze oamenii, apoi, secole mai târziu, au încercat să învețe din nou. 
Omul era mic și nesemnificativ, dar ceea ce s-a dezvoltat a fost arta și arhitectura templului. Perioada tulbure a războiului a făcut loc păcii - stilul romanic în arhitectură, cu zidurile sale groase fortificate și ferestrele mici, a fost înlocuit cu cel gotic și a devenit primul stil care a unit toată Europa. În epoca gotică Biserica nu a mai apărut structura defensivă, unde mulți oameni erau protejați de Dumnezeu (și ziduri groase), toate mai multe persoane au început să viziteze bisericile, iar arhitecții li s-a cerut să aibă mai mult spațiu interior pentru a găzdui toți enoriașii. Acest lucru a fost decis prin distribuirea greutății clădirii pe structura arcuită din interior și pe contraforturile zburătoare și contraforturile din exterior. Numele „gotic” în sine provine de la batjocura că designul arcuit al catedralelor semăna în aparență cu casele construite de triburile gotice, legând vârfurile copacilor pentru a crea o locuință cu cupolă. Distribuirea greutății clădirii a rezolvat problema zidurilor groase și a permis arhitecților să proiecteze deschideri uriașe de ferestre, care au fost umplute cu vitralii, care au apărut în același timp. Abundența decorului a completat imaginea - tot ceea ce este în lume a fost făcut de Creator - ceea ce înseamnă că nu este nimic rău în a-l folosi peste tot. Imaginați-vă: o persoană simplă din sat vine în oraș la biserică și în fața lui stă o frumoasă structură uriașă ajurata. Intră înăuntru și vede fascicule de lumină irizată de la deschiderile strălucitoare ale ferestrelor care înfățișează sfinți și scene din Biblie. Și el înțelege că Dumnezeu există cu adevărat. 
Renaştere. 
După Evul Mediu vine Renașterea, când oamenii au început să dezgroape orașe antice, să găsească obiecte de artă antice și să înțeleagă că lucrurile au fost cândva altfel. Slăbirea puterii bisericii duce la faptul că societatea devine mai laică. Artiștii învață din nou să picteze o persoană, doar pentru a face acest lucru trebuie să o deschidă pentru a afla unde se află mușchii și oasele și cum să deseneze corect o siluetă din aceasta. Ei continuă să picteze pe teme religioase, dar, în același timp, oamenii le încredințează să-și picteze portretele ca sfinți, ceea ce arată cât de mult și-a pierdut biserica puterea în mintea lor. Artiștii experimentează cu tehnici, inventează noi culori, noi stiluri. Se știe că Leonardo da Vinci a fost unul dintre primii care au pictat în ulei. Contribuția sa la pictura lui Verrocchio „Botezul lui Hristos”, un înger îngenunchiat, s-a dovedit a fi atât de strălucitoare și de plină de viață încât Verrocchio, conform legendei, a lăsat pictura pentru sculptură, spunând că elevul, la prima sa dată, l-a depășit pe profesor, si nu avea ce sa-l invete . 
Epoca baroc.
Urmează Renașterea, dar diferită ca caracter, este epoca barocului. Oamenii epocii baroc se îndepărtează de naturalețea antică în ideea lor de frumusețe și se străduiesc să-și deformeze, să-și modernizeze corpurile, să le dea un nou, forma perfecta. Corsetele, fețele albite cu „pete” pictate și perucile pudrate în care roiau păduchi și șoareci au intrat la modă. Apropo, perucile pentru bărbați creț au fost introduse în modă de regele Ludovic al XIV-lea. Trăind după principiul „ține-ți prietenii aproape și pe dușmanii tăi și mai aproape”, s-a înconjurat de miniștri și lideri militari, care de-a lungul timpului s-au transformat în adulatori, încercând să intre în ochii conducătorului și repetându-și schimbările vestimentare. Când Louis a început să chel, și-a pus o perucă. Toți cei din jurul lui au făcut la fel. 
În epoca barocului, a existat o mare dragoste pentru excesul de detalii, decoratiuni sculptate, aurire, lămpi pentru un număr mare de lumânări. Și iluzii optice. Barocul italian s-a remarcat cel mai mult în ceea ce privește iluziile. Iar pictorul și arhitectul florentin Andrea Pozzo este considerat un maestru de neîntrecut. Capodoperele lui Pozzo sunt considerate a fi frescele absidei, tavanului și picturii spațiului de sub dom al bisericii iezuite romane San Ignazio. În timpul construcției bisericii, din lipsă de fonduri, cupola nu a fost ridicată. Călugării au decis să înlocuiască cupola cu pictură și, pentru a rămâne în buget și pentru a se asigura că totul se face conform canoanelor iezuite, l-au invitat pe unul dintre călugării lor, Andrea Pozzo, să facă această lucrare. Pozzo a început prin a picta o mică cupolă în absida clădirii. Călugărilor le-a plăcut atât de mult această lucrare, încât i-au ordonat să picteze spațiul de sub cupola de deasupra altarului.
În punctul cel mai înalt se află însuși Sfântul Ignazio, întemeietorul Bisericii Iezuite, iar Împărăția Cerească îl așteaptă. 
Oamenii au început să pună mai des întrebarea „Ce suntem?” Filosoful francez Rene Descartes, observând statuile de fântână la modă din acea vreme, care stăteau nemișcate și, când o persoană se apropia de ele, prindea viață și îl stropi cu apă, s-a gândit - ce dacă mișcarea organismelor vii depinde și de pârghii, roți dințate si pistoane? A început să caute un răspuns, supunând fiecare dintre judecățile sale respingerii și a ajuns la concluzia că doar gândul rămâne de nerefuzat. Așa a ajuns la fraza sa celebră de mai târziu - „Cogito ergo sum”. „Cred, deci exist.”
Epoca clasicismului.
În epoca clasicismului, artiștii se îndreaptă din nou către tradițiile antice, luându-le drept standard. Elemente ale clădirilor antice apar în arhitectură - portice, coloane - în pictură - statui antice, personajele sunt adesea îmbrăcate într-un mod antic. Din aceasta va ieși ulterior academicismul - un stil în artă împotriva căruia impresioniștii și alți rebeli ai artei se vor lupta. 
Două părți diferite ale lumii.
Și, în concluzie, aș vrea să vorbesc despre două părți ale lumii, care sunt radical diferite în părerile lor despre ce este frumusețea. Acestea sunt țările din Asia de Est - Japonia și China - și Statele Unite ale Americii.
Voi vorbi despre China și Japonia împreună, pentru că cultura lor are multe în comun, deși cu o influență puternică a mentalității țărilor lor. În cultura chineză, nu există valoare, ca atare, pentru viața umană - au fost întotdeauna mulți dintre ei - unul va pleca, altul va veni în locul ei. După cum spun chinezii: „Nu există nicio valoare în viața umană - există un decret al împăratului” - dacă trebuie să mori, mori. Dar, pe de altă parte, scopul fiecărei persoane în viață este să obțină fericirea personală și nimeni nu are dreptul să te priveze de asta. De asemenea, în cultura chineză, fiecare simbol are putere ascunsă. Ei chiar construiesc arhitectura asemănătoare cu un fel de hieroglifă sau semn, astfel încât clădirea în sine funcționează pentru a-și atinge scopul. Pentru Japonia este prea dificil. Yin și Yang sunt unitatea contrariilor, în alb este o bucată de negru, în pământ este o bucată de cer - pentru ei este prea dificil. Ei au luat din cultura chineză ceea ce au considerat suficient - armonie și naturalețe.
Trei concepte de bază ale frumuseții în cultura japoneză- acesta este „yu-gen” - un indiciu - „wabi” - gol - și „sabi” - patina, dovada finitudinii. Sugestia este shoji translucid, lumina care trece printr-un felinar de hârtie. Ceea ce este deschis nu este interesant. Ceea ce este interesant este ceea ce se ascunde în spatele formei neclare. În Japonia nu există o astfel de atitudine față de nuditate ca în Europa - acest lucru este firesc. Și din moment ce este natural, înseamnă că nu este rușine. Nuditatea nu este excitantă decât dacă se dorește să fie așa. Este mult mai interesant când corpul este ascuns în straturi de îmbrăcăminte, ca o perlă, și poți ghici ce se află înăuntru. Același lucru se poate spune despre cofetăria japoneză, care are un gust foarte delicat, ușor. Dulceața naturală a pastei de fasole, agar-agar și fructe de pădure adăugată pentru decor. Nu adaugă zahăr pentru că excesul nu este distractiv.
În Europa, golul este ceva teribil, de neînțeles, golul este nimic. În Japonia, goliciunea este de la care vine totul. Ei nu pictează un robin peste un bujor - pictează un gol pentru a scoate în evidență figurile. Basho, desemnând tăcere, nu a scris „atât de liniștit”, a scris „puti auzi ticăitul ceasului”. Așa cum liniștea este accentuată prin sunetul liniștit, la fel și aici - artistul lasă golul pe pânză plasând acolo personaje.
Fără moarte, viața nu poate fi înțeleasă. Moartea este o parte a vieții, așa că prin ea ajungi să cunoști frumusețea vieții. Japonezii îi numesc pe europeni unilaterali pentru că ei neagă moartea și trăiesc pentru a trăi și a se bucura. Dar uitând că viața este finită, este imposibil să ne bucurăm pe deplin de plinătatea ei. Fără bine nu există rău, fără lipsuri nu vei înțelege toată frumusețea dobândirii. Este la fel cu un lucru. Dacă a avut vremea lui, dacă este acoperită de crăpături, uzată - se vede fragilitatea - asta o face și mai frumoasă - are suflet. Chiar și sigiliile noi au o bucată tăiată special pentru a-și arăta finitudinea, naturalețea - și, prin urmare, frumusețea. În antichitate, nu erau permise așchii sau crăpături - obiectul era finit și, prin urmare, nu era ideal. În Japonia, dimpotrivă - din moment ce totul are moarte - este prețuit și mai mult. Florile de cireș sunt simbolul acestui lucru. Pentru că petalele cad din copaci într-un timp foarte scurt și trebuie să te bucuri de fiecare moment în care îl vezi. 
SUA își insuflă cultura în lume prin filme. Cultura unui ideal de neatins - cultura transformării, a trăirii în vise. Chiar și George Bush Sr. a spus în discursul său că „misiunea sacră încredințată Americii este de a-i face pe toți ceilalți să gândească la fel ca noi”. A fost din America că moda pentru chirurgie plastică- realizarea idealului tău inexistent. ÎN lume ideală nu moare niciodată personajul principal. Într-o lume ideală există întotdeauna un final fericit. Nu există reguli stricte de urmat, așa că nu veți găsi non-documentare „istorice” de încredere. Aceasta nu este povestea lor – nu ei sunt cei care merg zilnic la muncă prin Partenon – au îmbrăcat oamenii în toge, au ridicat coloane – aceasta este Grecia. Și nu contează cum interacționează oamenii. Prin urmare, fiecare astfel de film ne arată americanii moderni în cadre diferite. Principalul lucru este că este spectaculos. Același lucru este valabil și pentru stiluri. America este o țară cu propriile stiluri și forme. Nu există stiluri artistice pe care le înțelegem - baroc, clasicism, art novo - există un stil de palat, care conține tot ceea ce o persoană consideră lux: coloane, o toaletă aurie, un pat cu baldachin. Stil marin, tropical, industrial - și multe, multe altele.
De asemenea, trebuie menționat că americanii sunt oameni cărora nu le place să fie considerați proști, deci nu le place forme complexeși metafore pe care nu le pot înțelege. Aceasta include și comparații prea simple - din același motiv. Cea mai mare parte a oamenilor ajung în „mijlocul de aur” dintre acești poli - într-un spațiu frumos prezentat, acoperit doar suficient încât o persoană pare să fi ghicit totul singură. Și există oameni care inventează și creează această cale de mijloc pentru cetățenii de rând.
Cultura americană se caracterizează prin absența folclorului. Coloniștii nu aveau propriile mituri, nu s-au născut zei noi - erau prea „adulti” pentru asta. De aceea americanii și-au creat propriile genii și spiriduși. Au primit supereroi. America este singura țară care are supereroi. La urma urmei, ce este un super-erou? O persoană ideală care creează o lume ideală. 
*material colectat din diverse surse
Arta Evului Mediu este oarecum ciudată și uneori foarte ambiguă. Se obișnuiește să-l admiri, dar, în același timp, chiar și istoricii de artă tac uneori sfios despre ceea ce se întâmpla în acea perioadă. Nu s-a vorbit despre realismul imaginilor, iar mulți dintre artiști erau pur și simplu călugări plictisiți care trageau marginile cărților pentru a trece cumva timpul. Inutil să spun că această perioadă este radical diferită de tot ce s-a întâmplat mai târziu în artă.
1. Iepurașii ucigași
Călugării medievali au creat „manuscrise iluminate” - cărți în care fiecare pagină era plină cu opere de artă colorate (miniaturi și ornamente). Uneori umpleau pagina cu poze frumoase cu flori și iederă. Uneori, călugării au desenat ilustrații pentru carte în sine, iar uneori, din anumite motive, au desenat iepuri care loveau oamenii în cap. Iepurii care torturează oamenii este o temă surprinzător de comună în arta medievală. Istoricii de artă modernă nu au găsit încă un răspuns la această întrebare.
Există imagini cu iepuri care se încarcă în luptă, mutilând cavaleri, furând femei, bătând oameni cu bâte și tăiându-i cu topoarele - și astfel de imagini nu au niciodată legătură cu ceea ce se discută în cărți. Teoria principală este că astfel de desene au fost făcute pe câmp de călugări plictisiți care doreau doar să se distreze. Au crezut că ideea ca iepurii să se răzbune pe oamenii care îi vânau este amuzantă. Dar aceasta este doar o teorie.
2. Pisicile își lingă fundul
Imaginile cu pisici au devenit populare mult mai devreme decât pe internet. Artiștii medievali le-au pictat destul de des. Singura excepție a fost că nu s-au concentrat să facă ca imaginea să evoce emoții pozitive și crize de drăgălășenie.
Din anumite motive, artiștii medievali credeau că există un singur moment demn de a fi imortalizat într-o operă de artă: momentul în care o pisică se aplecă și își linge propriul anus. Epoca medievală a lăsat în urmă o colecție ciudat de extinsă de toarce care își lingau fundul sau testiculele. Uneori, aceste imagini sunt foarte realiste, dar cel mai adesea pisica a fost reprezentată îndoită într-un cerc complet, cu limba în zona celui de-al cincilea punct.
3. Femei călare pe Aristotel
Filosoful grec Aristotel a apărut destul de des în picturi. Dar pentru o scurtă perioadă la începutul Renașterii, din anumite motive, el a început să fie înfățișat în aceeași ipostază ciudată și specifică. Timp de câțiva ani, artiștii l-au înfățișat pe unul dintre cei mai respectați filosofi ai lumii, cu o femeie călare pe el.
Uneori Aristotel avea un frenulum în gură. În alte ocazii, femeia l-a bătut. Și uneori ar fi o imagine explicită a unei femei goale care l-a bătut pe tatăl gândirii științifice. Originea unor astfel de picturi a fost povestea populară a soției lui Alexandru cel Mare, care l-a păcălit pe Aristotel să-i dea o plimbare ca ponei.
Morala poveștii a fost că femeile sunt ispite rele și toată lumea ar trebui să se abțină de la dorințele carnale. Acesta este modul în care artiștii medievali au demonstrat lumii că sunt „mai presus de poftă”.
4. Cavaleri care luptă cu melci
Unul dintre cele mai ciudate lucruri pe care călugărilor le plăcea să le înfățișeze pe marginile cărților erau bătăliile epice dintre cavaleri și melci. Între secolele al XIII-lea și al XIV-lea, din motive necunoscute, acesta a devenit un subiect foarte popular.
„Pot fi găsite peste tot în marginile manuscriselor gotice”, a spus un savant. „Sunt literalmente peste tot și nimeni nu știe de ce.” Unii cred că aceasta este o alegorie a luptei sociale, a discriminării sau a luptei disperate a omului împotriva morții inevitabile, în timp ce alții atribuie totul plictiselii călugărilor.
5. Moise cu coarne
Multă vreme, oamenii au avut un obicei ciudat să deseneze pe Moise cu coarne pe cap. Este foarte ciudat să înfățișăm un asemenea detaliu cu aspect demonic despre bărbatul care i-a condus pe evrei din Egipt. Și totuși, există multe exemple similare (chiar și Michelangelo a pictat ceva asemănător).
Există o părere că artiștii medievali nici nu s-au gândit să-și bată joc de Moise. Ei chiar credeau că are coarne. Cele mai multe traduceri ale Bibliei spun că, atunci când Moise a coborât de pe Muntele Sinai cu cele Zece Porunci, chipul lui a fost „luminat cu raze de lumină”. Dar cuvântul ebraic original „keren” poate însemna fie „rază de lumină”, fie „corn”.
Așa că Biblia poate să fi afirmat de fapt că Moise avea coarne. În epoca medievală, a fost chiar tipărită o copie a Bibliei care spunea că Moise a coborât de pe munte cu coarnele pe cap. Sună nebunesc, dar unii oameni încă cred că aceasta este traducerea corectă.
6. Maria Magdalena acoperită cu păr
Când artiștii gotici au pictat-o pe Maria Magdalena, au făcut-o să arate ca o „expoziție” de la circul lui Barnum. Au pictat o femeie care era complet acoperită cu păr gros de la gât în jos. Mai mult, acesta nu era un fetiș medieval ciudat, dar exact așa ar fi trebuit să arate, în opinia oamenilor de atunci, un sfânt. La acea vreme, povestea Mariei Magdalena s-a încheiat cu ea acoperită de păr lânos, făcând-o să arate ca o capră.
Potrivit legendei, Maria Magdalena a renunțat complet la toate bunurile pământești după moartea lui Isus. Ea a încetat să mai facă baie și să-și schimbe hainele, iar în cele din urmă hainele ei au fost complet uzate și rupte. Miracolul care a salvat-o pe Maria de a rătăci în jurul lumii goală a fost părul care i-a crescut pe tot corpul. După aceasta, pentru tot restul vieții, Maria a mers goală și păroasă.
7. Uciderea oamenilor fără griji
O mare parte din arta medievală a fost violentă. Dar oricât de groaznică a fost moartea cuiva, victima era mereu plictisită. Există imagini cu oameni călcați în picioare de călăreți, cu un cuțit înfipt în craniu sau tăiați în bucăți cu secure. Cu toate acestea, în fiecare imagine, victima arată de parcă se luptă să rețină un căscat. Teoria este că totul se leagă de conceptul medieval de Ars moriendi - arta de a muri bine. Moartea, conform oamenilor de la acea vreme, era un test moral.
A fost o perioadă în care omul trebuia să stea în fața judecății divine, iar felul în care a răspuns la aceasta a spus multe despre caracterul său. Dacă o persoană plângea, țipa și blestema în momentul morții, înseamnă că era probabil să meargă în iad. Și dacă ultima suflare a fost întâlnită cu un zâmbet, atunci persoana a plecat în rai. Toți acești morți plictisiți ar putea să-și demonstreze disponibilitatea stoică de a merge în Rai. Sau artiștii medievali erau pur și simplu săraci la desenarea expresiilor faciale.
8. Oameni în „nave spațiale”
Din anumite motive, multe exemple de artă medievală arată oameni care zboară în mașini mici care arată ciudat de asemănător cu Sputnik 1. Acest lucru este comun în toate picturile lui Isus. Picturi medievale arată puncte importanteîn viața lui Hristos, cum ar fi momentul în care mama sa Maria a ținut pentru prima dată pruncul în brațe sau momentul în care a murit pe cruce.
În colțul picturii de pe cer există invariabil un om mic în „cabana unei mici rachete albe” care zboară în spațiu. Există mai multe teorii cu privire la ceea ce reprezintă aceste imagini. Cea mai academică teorie este că imaginile sunt menite să simbolizeze „prezența străină a lui Dumnezeu”. Aceasta este doar o teorie și singura explicație, a cărei sursă este artistul medieval însuși, sună complet fantastic.
O gravură de Hans Glaser arată cerul deasupra unui oraș plin de țevi și sfere. Glaser a semnat gravura, afirmând că este o imagine a ceea ce a văzut petrecându-se pe cerul de deasupra Nürnberg: o bătălie între obiecte zburătoare necunoscute. Se consemnează că bătălia s-a încheiat cu sferele și mai multe „tijețe” zburând în soare, iar alte câteva obiecte s-au prăbușit la pământ într-un nor de fum.
9. Demoni cu fețele în picioare
Artiștilor medievali le plăcea să picteze demoni. Arta lor era plină de monștri înspăimântători care erau gata să ia sufletele celor nevinovați. Și dintr-un anumit motiv, mulți dintre demoni aveau doi ochi, un nas și o gură mare chiar pe picioare. Pozele astea erau ciudat de sexy.
Adesea, fața din picioare a demonului scotea un foc falic ciudat chiar între picioarele lui. Uneori, aceste fețe nu acopereau doar picioarele, ci erau situate la vârfurile organelor genitale. Era o modalitate de a arăta răul ispitei sexuale gratuite. Demonii erau meniți să simbolizeze pericolele poftei, iar fețele din picioare erau o modalitate de a arăta unde se ascundea adevărata față a răului.
Unii oameni erau atât de îngrijorați de pericolele poftei, încât demonii erau cel mai popular subiect de artă în timpul Evului Mediu. Se pare că alți oameni au fost mai puțin îngrijorați, deoarece al doilea subiect cel mai popular a fost oamenii care se angajează în plăcerile sexuale.
10. Lucruri care ies din fund
Se pare că atunci când artiștii medievali nu desenau animale ucigașe și demoni cu fețele în picioare, își umpleau cărțile cu ilustrații care păreau foarte ciudate lângă Cuvântul lui Dumnezeu: imagini cu oameni cu lucruri ieșite din anus.
De obicei, aceasta a fost o țeavă, dar există și alte exemple. Unele pagini au fost decorate modele frumoase din flori și frunze care au ieșit dintr-un bărbat aplecat cu spatele spre cititor. De asemenea, destul de comune au fost imaginile cu oameni care trăgeau săgeți în ținte rotunde roșii pictate unul pe fesele celuilalt. De ce au pictat așa ceva este un mister.
Tema artei din Evul Mediu este încă de interes pentru mulți astăzi. Nu degeaba a apărut pe internet un proiect de benzi desenate. Anterior, am publicat 15 tablouri cu legende sarcastice moderne care au fost incluse în el.
De obicei, atunci când este rostită expresia „Evul Mediu”, în fața ochilor apar castele gotice sumbre, totul este întunecat, neglijat, plictisitor... Acesta este un stereotip care din anumite motive s-a dezvoltat în mintea oamenilor. Pictura acestei perioade demonstrează contrariul - nu numai că nu este plictisitoare, ci și foarte colorată.
Arta Evului Mediu: caracteristici și tendințe
Evul Mediu reprezintă perioada cuprinsă între secolele al V-lea și al XVII-lea. Termenul însuși își are originea în Italia; se credea că de această dată a fost un declin cultural Evul Mediu a fost constant comparat cu Antichitatea – iar comparația nu era în favoarea primei.
Există mai multe trăsături ale artei Evului Mediu și toate sunt strâns legate de fundamentele și tradițiile care predominau în societate la acea vreme. Astfel, dogmele bisericești și religioase erau puternice – de aceea religia a devenit ceva obișnuit pentru cultura vremii. Pe langa asta, trăsături caracteristice a fost asceză, respingere a tradițiilor antice și în același timp angajament față de antichitate, atenție la lumea interioara omul şi spiritualitatea lui.
Epoca este de obicei împărțită în mai multe perioade: Evul Mediu timpuriu(înainte de secolul al XI-lea), dezvoltat (înainte de secolul al XV-lea) și mai târziu (înainte de secolul al XVII-lea). Fiecare dintre aceste intervale, din nou, are propriile sale tendințe. Ca exemplu - Evul Mediu timpuriu s-a remarcat printr-o respingere completă a tradițiilor antice, sculptura s-a scufundat în uitare, arhitectura din lemn și așa-numitul stil animal a înflorit. Oamenii, de regulă, nu erau reprezentați, iar arta era „barbară”. O atenție deosebită a fost acordată culorii.
Evul Mediu dezvoltat, dimpotrivă, sa concentrat asupra arte aplicate- erau la modă covoarele, turnările, miniaturile de cărți.
În epoca lui Evul Mediu târziu Stilurile romanic și gotic au început să domine, în special, au predominat în arhitectură, care a fost principala formă de artă în această perioadă.
În general, se acceptă în general următoarea periodizare a artei evului mediu: celtică, creștină timpurie, artă din perioada migrației popoarelor, bizantină, preromanică, artă romanică și gotică. În continuare, ne vom opri mai detaliat asupra genurilor, stilurilor, tehnicilor și subiectelor picturii medievale. Să ne amintim de celebrii maeștri.
Pictura din Evul Mediu
În diferite perioade ale Evului Mediu, diferite tipuri de artă au ieșit în prim-plan - fie sculptură, fie arhitectură. Nu se poate spune că pictura a rămas pe margine. De-a lungul timpului și sub influența schimbărilor din societate, s-a schimbat și ea, în urma căreia picturile au devenit mai realiste, iar artiștii au apărut noi tehnici, teme și perspective pentru creativitate. Deci, de exemplu, în ciuda faptului că tendința de a picta pânze cu teme religioase a rămas populară în pictura medievală din orice perioadă (cu toate acestea, după secolul al XIII-lea a început să apară mult mai rar), odată cu creșterea educației au devenit mai comun așa-numitele picturi seculare - conținut cotidian, reflectorizant viata simpla oameni obișnuiți (inclusiv nobilimea, desigur). Așa a apărut pictura realistă, necaracteristică epocii. Evul Mediu timpuriu. Picturile au început să înfățișeze nu lumea spirituală, ci lumea materială.
Miniaturale cărților s-au răspândit - în acest fel au încercat să îmbunătățească și să decoreze cărțile, făcându-le mai atractive pentru potențialii cumpărători. Au apărut și picturile murale, precum și mozaicuri, care au fost folosite pentru decorarea exterioară și pereții interiori biserici - pentru aceasta ar trebui să mulțumim Ordinului Franciscan, pentru care au fost construite un număr mare de structuri similare. Toate acestea s-au întâmplat după secolul al XIII-lea - înainte ca picturii să nu i se acorde o atenție atât de mare, ea a jucat mai degrabă un rol secundar și nu a fost considerată ceva important. Imaginile nu au fost pictate - au fost „pictate”, iar acest cuvânt reflectă pe deplin atitudinea față de acest tip de artă în acea perioadă de timp.
Odată cu perioada de glorie a picturii în Evul Mediu, s-a ajuns la înțelegerea că pictarea pânzelor artistice era lotul celor care știu cu adevărat și iubesc acest meșteșug. Tablourile nu mai erau „pictate”; creația lor nu mai era tratată ca o distracție accesibilă tuturor. De regulă, fiecare tablou avea propriul său client, iar aceste comenzi erau făcute exclusiv pentru un anumit scop - se cumpărau pânze pentru case nobiliare, pentru biserici și așa mai departe. Este caracteristic faptul că mulți artiști ai Evului Mediu nu și-au semnat lucrările - acesta era un meșteșug comun pentru ei, la fel ca și producția de chifle pentru un brutar. Însă pictorii din acea perioadă au încercat să adere la reguli nerostite: să-l influențeze emoțional pe cel care va privi pânza; ignora dimensiunile reale - pentru a da un efect mai mare; descrieți diferite perioade de timp cu același erou în imagine.
Iconografie
flamandi
Secolul al XV-lea a adus glorie Flandrei - tocmai în această zonă a apărut o nouă tehnică unică, care a avut un impact uriaș asupra întregii arte și la un moment dat a devenit populară. Vorbim despre inventarea vopselelor de ulei. Datorită adăugării de ulei vegetal la amestecul de coloranți, culorile au devenit mai saturate, iar vopselele în sine s-au uscat mult mai repede decât tempera pe care pictorii o foloseau anterior. După ce au încercat să aplice strat după strat, maeștrii s-au convins de posibilitățile și perspectivele care li s-au deschis - culorile au jucat într-un mod complet nou, iar efectele care au fost obținute în acest fel au eclipsat absolut toate realizările anterioare.
Nu se știe cu siguranță cine este inventatorul vopselelor în ulei. Adesea apariția lor este atribuită, poate, lui cel mai faimos maestru al flamandului scoala - Jan van Eyck. Deși chiar înaintea lui, Robert Campin, care, de fapt, este considerat fondatorul picturii flamande, a fost destul de popular. Cu toate acestea, a fost datorită lui van Eyck vopsele de ulei au devenit atât de răspândite în toată Europa.
Artiști proeminenți
Pictura medievală a dat lumii multe nume minunate. Deja menționat mai sus, Jan van Eyck este un excelent pictor portretist, a cărui operă diferă de altele joc interesant lumina si umbra. Trăsătură caracteristică Pânzele sale sunt atent înregistrate în cele mai mici detalii. Un alt flamand, Rogier van der Weyden, nu a fost atât de atent la detalii, dar a desenat contururi foarte clare și s-a concentrat pe nuanțe colorate, strălucitoare.
Dintre maeștrii italieni, pe lângă cei menționați mai sus, merită remarcați Duccio și Cimabue, fondatorii realismului, și Giovanni Bellini. De asemenea, spaniolul El Greco, olandezul Hieronymus Bosch, germanul Albrecht Durer și alții au lăsat o mare amprentă în artă.
- Cuvântul „miniatură” provine de la minium - acesta este numele latin pentru minium, care a fost folosit pentru a scrie majuscule în texte în Evul Mediu.
- Model pentru pictura " Cina cea de Taină„Leonardo da Vinci a devenit un bețiv obișnuit.
- În fiecare nou secol, cantitatea de hrană din naturile moarte a crescut.
- Pictura lui Titian „Iubire pământească și iubire cerească” le-a schimbat de patru ori înainte de a primi un astfel de nume.
- Artistul Giuseppe Arcimboldo și-a compus pânzele din legume, fructe, flori și așa mai departe. Foarte puține dintre lucrările sale au ajuns la noi.
Pictura din Evul Mediu, la fel ca întreaga cultură a acestei perioade, este un strat unic care poate fi studiat timp de secole. În plus, aceasta este cu adevărat o capodoperă a patrimoniului, care este responsabilitatea noastră directă să o păstrăm pentru posteritate.
